De qué va la película/XI: Escándalo americano

En un momento de Escándalo americano, el personaje de Christian Bale, Irving Rosenfield, le dice a Richie DiMaso (Bradley Cooper) una frase que reza más o menos así: “El mundo no es blanco o negro, como usted piensa. Descubrirá que es extremadamente gris”. En esta cita me parece que está resumido todo el contenido de la película: Escándalo americano es una película grisácea. No entendiendo el término como “aburrido”, sino como nivel de gradación intermedio, que nunca es totalmente negro o blanco, sino con mitad y mitad; tiene personajes grises, situaciones grises, cuestionamientos grises, acciones grises. Nunca algún personaje es bueno o malo, o algún evento beneficioso o terrible. Nada es determinante. ¿Es esto algo bueno o algo malo? Para el contenido fílmico en términos argumentales y de trama, es algo bueno, pero no tanto como evaluación del nuevo filme de David O. Russell. Diré porqué.

La película cuenta la historia de, inicialmente, Irving Rosenfield y Sidney Prosser, una pareja de amantes que se dedican a estafar personas vendiéndoles obras de arte falsificadas como si fueran auténticas. Pero no obstante su agudeza a la hora de preparar los fraudes, son atrapados por el agente del FBI Richie DiMaso, quien los reclutará para atrapar a varios congresistas, peces gordos de la corrupción. Con lo que nadie cuenta en el plan, es el hecho de que, como Irving y Sidney aseguran, todos mienten para sobrevivir. Y ellos no son la excepción.

Escándalo americano es una película sobre mentiras y mentirosos. La mentira impregna todas y cada una de las esferas de acción de los personajes, incluso su aspecto físico. La primera escena del filme es muestra de ello: Vemos a Irving colocarse cuidadosamente su peluquín para cubrir su calvicie. En esta escena se sintetizan los elementos que contienen todas las acciones de los personajes: mienten cuidadosamente para cubrir algún defecto o hacer su trabajo; no son en realidad quienes dicen ser. Cuidan sus mentiras como si fueran una parte vital de ellos mismos, pues ellos se autoengañan; Es más fácil ponerse un peluquín que aceptar la calvicie. Es más sencillo rizarte el cabello, como hace Richie DiMaso, que dejarlo lacio, como en verdad lo tiene. El caso es siempre mentir.

Eso quiero decir cuando afirmo que es una película grisácea. Nunca hay algo totalmente transparente, nada está totalmente sucio o limpio. Hasta el político que parece honesto y asegura hacer todo por su comunidad (Polito, encarnado por Jeremy Renner) hace tratos con mafiosos. Irving, que parece solo un vil estafador, se devela como un hombre con infancia difícil que lo llevó a la autopromesa de no volver a padecer. Cada quien tiene sus motivos. Cuando el espectador tiene la balanza inclinada a una opinión determinada, el juego vuelve a cambiar y con él las percepciones y el porvenir de los personajes. Esta construcción indecisa de los protagonistas los constituye y entreteje la trama, pues eso busca: que nunca se puedan hacer juicios deterministas. Todo tiene una razón, que si bien no justifica los actos, les da un porqué.

Esta misma indecisión, que como apunté más arriba resulta beneficiosa para el argumento y los personajes, se lleva también al tono general de la película, pero ahí no resulta ser un acierto. Escándalo americano nunca se define entre un drama o una tragicomedia. Está construida dubitativamente y cuando parece que todo va a reventar, se detiene, dejando la sensación de que tal vez más adelante las situaciones lleguen por fin a un climax como se merece… pero ese momento nunca llega. Y eso ocasiona que al final del metraje, la opinión sea: “pudo haber sido mejor”. Esto no quiere decir que la película sea mala o aburrida, sino que se queda a medias… se queda gris.

Por lo demás, todo el reparto principal otorga actuaciones más que sobresalientes, dándoles a sus personajes un aura propia que propicia empatía con el público; claro, algunos lo hacen mejor que otros: mención honorífica para Christian Bale por su caracterización como Irving (el metabolismo del hombre es prodigioso) y para Jennifer Lawrence como su esposa medio neurótica.

Escándalo americano es una película gris, lejos de ser el grandioso filme que se ha presumido, pero vale el precio de entrada. No es mi favorita para el Oscar 2014, sin embargo, es una digna contendiente. 

Título original: American Hustle

Director: David O. Russell

Género: Drama

País: Estados Unidos

Año: 2013

Duración: 138 minutos 
Elenco: Christian Bale, Amy Adams, Bradley Cooper

De qué va la película/X: El lobo de Wall Street

Por fin llega a cines la nueva película de Martin Scorsese, El lobo de Wall Street, una obra de 3 horas de duración, basada en el libro homónimo que cuenta la historia del ascenso y caída de Jordan Belfort, un corredor de bolsa inescrupuloso, inmoral y carente de principios, que no le importa estafar a los clientes que le hablan esperanzados detrás de la línea con tal de llevarse un buen pedazo de comisión. Esta historia, aunada a una gran actuación de Leonardo DiCaprio y una dirección de altos vuelos, se presenta como un gran filme del realizador neoyorquino.

El lobo de Wall Street es una obra cínica, descarada; es la única forma de contar el devenir del protagonista, un personaje cuyos principios y valores murieron aplastados por el dinero. DiCaprio entrega una actuación impecable, llena de matices; presenta a su Jordan Belfort como el personaje inestable que es, entregado a los excesos de las drogas, el sexo y la incorrección moral y política. Por momentos su actuación es tan creíble, que no parece ser tal: ¿no hay nada de DiCaprio en Jordan o viceversa? Los límites se desdibujan cuando dota su actuación de gestos propios, de una forma de hablar particular, por ejemplo. Un reconocimiento a Leonardo por su trabajo se antoja totalmente merecido e inevitable.

Un punto me parece importante resaltar para la comprensión del personaje: Belfort es un clase mediero con dinero. Su forma de comportarse está más cercana a la desmesura propia de una persona de clase media, nivel socioeconómico siempre aspiracional, que de pronto se ve con la posibilidad de acostarse con una modelo en una cama repleta de fajos de billetes. Era previsible su forma de actuar, de alguna manera. De ahí su concepción del dinero como el que te otorga “una mejor vida, una mejor mujer, mejores autos” e incluso te vuelve “mejor persona” porque puedes hacer obras de caridad. En sus modos hay derroche inconsciente, de ese que actúa por mero placer dionisiaco, vanidoso, ególatra. De ahí viene su desprecio hacia lo pobre; dice en algún momento del filme, ante la mirada atenta e idolátrica de sus empleados: “No hay nada noble en la pobreza. He estado en la pobreza y en la riqueza y siempre he elegido la riqueza”. Su ego clase mediero lo traiciona más de una vez, y también lo salva; Jordan Belfort es una persona que sabe sacar provecho de las situaciones y de las personas. Salva su pellejo en incontables ocasiones porque estuvo en el lugar adecuado a la hora adecuada y, de alguna forma, actuó adecuadamente. Su inteligencia y actitud emprendedora, que parece no tener miedo a nada, lo lleva a ser el gran magnate que es. Su cinismo es épico, su determinación incansable. Un personaje tan detestable como hipnótico.

Tampoco se puede omitir la implícita “crítica” (las comillas valen) al mundo financiero que representa Wall Street, al discurso económico y el modo de vida norteamericano, en tono de humor negro e ironía punzante; se cree tan firmemente en la “libertad” y la “actitud emprendedora”, y se les deja tan libres, que cualquier vendedor ponzoñoso como Belfort (o sus asociados) puede amasar una fortuna con el dinero de otras personas, crear una casa de bolsa fraudulenta y libertina como Stratton Oakmont y huir campante una y otra vez de todos los mecanismos judiciales y preventivos. En cierta escena, Jordan dice: “¡Stratton Oakmont es América!” Es decir, ¿América (Estados Unidos) es corrupta, amoral, poco ética y funciona a partir de mentiras? La ironía, aunque pequeña, es inevitable y efectiva.

La película cuenta con una duración de poco más de 3 horas, extensión justificable pero que no impide que uno como espectador se canse en determinados pasajes. Además, varios puntos de tensión pueden ser interpretados como el climax final, sin embargo, cuando se develan como solo un cambio de trama y la película continúa, fluida y pausada en su frenético montaje, se puede hacer la pregunta interna: ¿esta película jamás terminará o qué? No obstante esto, al final del metraje el sabor de boca es grato, muy grato. Eso es también gracias al gran trabajo histriónico de todos los involucrados, pero con mención especial para Jonah Hill, inquietantemente cómodo en su papel del psicótico socio de Jordan. Asimismo, la selección del soundtrack es impecable.

En conclusión, El lobo de Wall Street es una cínica película que está hecha estupendamente. No diré algo tan debatible como que es de lo mejor de Scorsese, eso tal vez sería decir mucho, pero definitivamente es una de sus grandes obras recientes, vale cada minuto invertido (y vaya preparado, invertirá muchos); El destino del protagonista es quizás predecible, pero lo emocionante (lo desquiciado, lo miserable, lo raro) es el camino. El camino del lobo.

Título original: The Wolf of Wall Street

Director: Martin Scorsese

Año: 2013

País: Estados Unidos

Reparto: Leonardo DiCaprio, Jonah Hll, Matthew McConaughey, Jean Dujardin, Jyle Chandler, Rob Reiner: 

Gracias por leer, no se la pierdan. No olviden darle like a la critica y compartirla si les gustó. Nos leemos. 

Cuentos memorables/V: La muerte tiene permiso

Cierto día mientras hurgaba en los libros de mi casa, me encontré con uno titulado Lo fugitivo Permanece, que recientemente había traído mi papá y que era una compilación de cuentos mexicanos editado por la Secretaría de Educación Pública (SEP). Yo, que soy un gran aficionado al género del cuento, lo tomé con interés. El libro me agradó bastante y me parece, hasta ahora, una excelente compilación de historias escritas por los autores mexicanos más reconocidos e importantes. Uno de los mejores  libros de cuentos que poseo.

Entre sus páginas se encuentran 21 cuentos que tocan temas como la identidad, el dramatismo del devenir urbano y rural, el aspiracional modo de pensar, la concepción mítica de la vida, entre otros. De todos, hay algunos que me gustaron más y quiero ponerlos todos en este espacio. Mientras tanto, la primera historia que les compartiré es un clásico de la narrativa mexicana titulado La muerte tiene permiso, del autor Edmundo Valadés.

Edmundo Valadés nació en Guaymas, Sonora, en 1915; murió en 1994. A los seis años de edad se mudó a la Ciudad de México y a partir de 1937 fue reportero, articulista, cronista y columnista. Del periódico Novedades fue secretario de redacción y director de la sección editorial. En otros periódicos (El Día, Excélsior, Uno más uno) publicó columnas de carácter cultural y crítica literaria.

Fue subjefe de la oficina de prensa de la República en el gobierno de Adolfo López Mateos. Enseñó periodismo en el Centro Mexicano de escritores (1965-1966) y fue miembro de varios jurados literarios, entre ellos, el de Novela México*

Su obra narrativa, cuentística, está reunida en dos volúmenes: La muerte tiene permiso (1955) y Sólo los sueños y los deseos son inmortales, palomita (1980). Pero quizás el más célebre de sus trabajos sea El libro de la imaginación (1970). También editó una antología con Los cuentos de El Cuento (1981)**

En La muerte tiene permiso, unos campesinos, habitantes del pueblo de San Juan de las Manzanas, se encuentran frente a un estrado con los miembros de la asamblea, ingenieros que atienden primero sus chacoteos antes que otra cosa. Cuando por fin se dignan a escucharlos, los campesinos, uno a uno, comienzan a hablar acerca de los problemas que tienen en el pueblo: el agua, la escuela, y el más grave de todos: el presidente municipal, quien hace caso omiso de las necesidades de su población y encima abusa de ella. A medida que el campesino portavoz habla, las injusticias que enumera adquieren un tono alarmante. Cuando todo parece no poder ser peor, los campesinos hacen una petición que pondrá a los miembros de la asamblea en un dilema tanto moral como ético.

Está resumida en este cuento la precaria situación de vida en la que se encuentra el entorno rural del país; los campesinos de La muerte tiene permiso, al no tener ninguna salida para hacer algo más, y encontrarse ignorados por los grandes mandatarios y la justicia, no encuentran otra forma de poner sus vidas en orden que, como dice la expresión popular, tomar al toro por los cuernos; hacerlo ellos mismos todo. Cuando el cuento llega al punto final, el lector se encuentra ante una declaración que podría parecer incluso cómica, pero que en su justo contexto lleva a una reflexión acerca de qué se está haciendo por las minorías y en donde han quedado la justicia y el bienestar en este país.

Abajo adjunto el link donde pueden leer el cuento completo. Un texto breve pero entretenido, que no los defraudará y que consumirá 5 minutos de su tiempo. Ojalá les agrade.

El link:

http://www.juridicas.unam.mx/publica/librev/rev/derhum/cont/35/pr/pr34.pdf

Muchas gracias por leer, no olviden darle like a la entrada y compartirla si les agradó. Hasta la próxima

*”Escritor sonorense” disponible en [http://www.sonoramagica.com/index.php?option=com_content&view=article&id=72:cronista&catid=40:literatura&Itemid=59] consultado el día 8 de enero de 2014

**”Edmundo Valadés” disponible en [http://elcuentodesdemexico.com.mx/edmundo-valades] consultado el día 8 de enero de 2014

De qué va el libro/V: Sobre los acantilados de mármol

Bienvenidos a la primer entrada del nuevo año, es agradable contar con su visita nuevamente y ojalá siga siendo así durante los doce meses venideros. Ahora sí, ya liberados de los compromisos familiares y sentimentales propios del fin de los años, para empezar como se debe este enero, les recomiendo este libro titulado Sobre los acantilados de mármol, de Ernst Jünger, una novela que debido a su luminosidad decidí hacerla la entrada inaugural del 2014. Pásenle, pásenle.

En un próspero y civilizado país que roza lo idílico, llamado “La Marina”, situado en un tiempo y un lugar indeterminados, el narrador de la novela (del que nunca conocemos su nombre) y su hermano, Otón, viven entregados al estudio de las plantas en un lugar apacible llamado “La ermita de las rudas”. No obstante la tranquilidad en la que siempre han vivido, esta se ha visto amenazada por eventos terribles como desapariciones, incendios y raptos. Cierto día en que ambos hermanos van en busca de una extraña orquídea, se topan con “La barranca de los desolladores”, el lugar donde los sanguinarios dirigidos por El Guardabosque Mayor, tirano indiscutible de los bosques, llevan a sus víctimas para desollarlas y torturarlas. A partir de esa visión saben que una catástrofe se acerca y que la paz tal como la conocen, probablemente se consuma en el fuego que está a punto de arder.

Es esta una novela que, ante todo, cuenta con una narración increíblemente fluida, llena de descripciones de cada aspecto de la vida de los protagonistas y el entorno cultural y natural en el que viven. Su prosa es de un lirismo elevado, de esas historias bellas que no se encuentran muy a menudo. Lo comparo con una obra de Nietzsche: Si han leído Así hablaba Zaratustra, sabrán a lo que me refiero, y si no, en cuanto lean el primer capítulo de la novela de Ernst Jünger lo entenderán: hay luz en sus letras.

La narración es tan descriptiva que hay capítulos enteros en que podría decirse que “no ocurre nada”; sin embargo, tanta descripción tan detallada tiene el propósito de construirte en la cabeza cada parte del entorno social y natural, para que te encariñes con ese mundo a medida que lo vas descubriendo. Debe decirse que Sobre los acantilados de mármol es una novela que transcurre lenta y pausada, en la que los eventos que propician la trama aparecen poco antes de llegar a la mitad del libro. No espere usted nada agitado, pues es este un libro que debe ser contemplado.

Sobre los acantilados de mármol data de 1939, año en el que la Segunda Guerra Mundial comenzaba. Mucho se dice que la novela fue profética, que vislumbró con anticipación los oscuros tiempos que le esperaban a Europa. Y no se equivocan; Ernst Jünger  representó, a través de sus simbolismos, no solo los regímenes tiránicos y déspotas que asolaban el continente en ese momento, sino los de todos los años, épocas y lugares. En la visión de “La barranca de los desolladores”, lugar pintado con sangre, Otón y su hermano son testigos no de horrores cotidianos motivados por patologías de agresión (si es que los horrores pueden ser cotidianos; yo, un pesimista, creo que si), sino por algo aún más implacable e incontenible: una pulsión vital de destrucción. El Guardabosque Mayor y su ejército representan el avance del nihilismo y de la putrefacción que no puede detenerse, aquella que es natural. Pensemos en los grupos humanos como un cuerpo: El cuerpo es susceptible a ser herido, la piel se abre. De no ser tratada, una herida puede expandirse, poco a poco, como parte de su proceso mismo de avance. De esta misma forma se presenta la violencia desmedida de las huestes del bosque. Su frecuencia y su campo de acción se extienden porque son motivadas por una fuerza vital, la fuerza de la naturaleza; ¿se puede detener a la naturaleza?

Luego de leer este libro una asociación me llegó a la mente: Lo profético de la novela coincide fácilmente con la debacle propia que Europa ha presentido desde siempre, como apunta George Steiner en su ensayo La idea de Europa. Él asegura que un pensamiento fatalista ha estado inmerso en el pensamiento europeo, Europa ha presentido su final (tal como los protagonistas presienten el final de su querida Ermita de las Rudas e incluso de su país, La Marina) desde que tiene conciencia, y con las Guerras Mundiales esa idea llegó a su apogeo: En esos frentes de lucha se perdió todo lo que había de bello y de glorioso. Las armas rasgaron la vestidura del conocimiento, de la unión, de la celebración intelectual que era el territorio europeo… justo como El Guardabosque Mayor y su violencia rompen la casi religiosa calma de La Marina.

Al final, y respetando los contextos, quizás todo este referente histórico no sea tan importante como el mensaje que deja Ernst Jünger en Sobre los acantilados de mármol, pero ese tienen que buscarlo ustedes. La que para muchos es la obra maestra del escritor alemán es, ciertamente, una novela imprescindible y sin duda una muy buena opción para comenzar a leer este nuevo año. No se arrepentirán.

No olviden darle like a la entrada y recomendarla. Saludos, nos leemos.  

Adiós 2013. Seguimos en el camino

Este año está acabando y este blog de apenas unos meses de vida y su creador, les agradecen las visitas, comentarios y lecturas que amablemente brindaron. Gracias por tomarse el tiempo para leer lo que aquí publico, los que lo hagan, y si les gustó pues rólenlo con sus amigos, novias, concuñas, sobrinas, sobrinos, concubinos, esposos, amantes y abuelos. Por mi parte, prometo que este espacio seguirá fiel a la promesa inicial de mantenerse visitable y, con todas las ganas de la vía láctea, interesante, porque eso justo intenta ser: un espacio donde se puede pasar el rato, en esos días que no se sabe qué hacer en internet o por mero placer de conocer un nuevo libro o película, ver un cortometraje, leer un reportaje o un cuento. “El reflejo y la sombra” seguirá con su programación normal y espero que con alguna sorpresa para este nuevo año, contando, por supuesto, con su atención y visitas. Muchas gracias. Seguimos en el camino. 

Les dejo un par de canciones: La primera del cantautor argentino Fito Páez, titulada Al lado del camino, una de mis rolas favoritas y la segunda, una canción típica escocesa que suele ser tocada justo para las fechas de navidad y año nuevo, titulada Auld Lang Syne, que viene a ser algo así como “Los viejos tiempos”. Una canción que es una carta de despedida al año que se va. Ojalá les gusten y disculpe la cursilería, amable público lector. Suerte. 

Fito Páez Al lado del camino 

Dougie McLean, Auld Lang Syne (no pongo la traducción, pero espero que la disfruten tal como está)

Nos leemos, pues. Fin del fin. Tan tán.

De qué va el libro/IV: Federico en su balcón

Como todos saben, Carlos Fuentes murió el 2012 a causa de una hemorragia interna, dejando un gran vacío en el panorama de las letras mexicanas. El autor de clásicos como La muerte de Artemio Cruz (uno de mis libros favoritos), o el clásico La región más transparente, dejó su pluma para siempre sola.

Uno podría pensar que cuando un escritor muere, solo nos queda el legado que dejó tras de sí. La sensación un poco de vacío, al pensar que jamás volverás a leer algo nuevo suyo te asalta. Sin embargo, este no fue el caso. Afortunadamente, Fuentes dejó aún alguna novedad para seguir disfrutándolo más allá de las siempre placenteras relecturas de sus libros previos. Ese es el caso del protagonista de la entrada de hoy (y el último libro del año): Federico en su balcón, última obra del autor mexicano, publicado luego de su muerte. Una novela tan atemporal y tan poderosa en la historia que cuenta, reflejando el devenir de la cómica tragedia humana en la que reina la filosofía proclamada por Nietszche: El Eterno Retorno: Todo vuelve.

Desde sus balcones en el hotel Metropol, dos personajes conversan. Son nada menos que Federico Nietzsche, reencarnado, y otro personaje que en un momento dado se revela como Carlos Fuentes, aunque pudiendo ser cualquiera. Reflexionan acerca del poder, la lealtad, el amor, la responsabilidad y el control, mientras se cuentan fragmentos de una misma historia, en la que narran el inicio, el ascenso y la debacle de una revolución, liderada, en principio, por 3 amigos, llamados Saúl, Dante y Aarón, quienes toman las riendas contra un gobierno corrupto, represor, instalado en una “Dictadura perfecta” (cualquier parecido con la realidad política de México es totalmente intencional). La historia dura lo que dura el libro y más allá: Cuando ambos personajes dejen de conversar y vuelvan al interior de sus habitaciones de hotel, la historia volverá a comenzar.

Federico en su balcón esconde a plena luz una poderosa mexicanidad, que al mismo tiempo se siente como un testamento definitivo, en donde critica y utiliza el ambiente, la historia y la idiosincrasia de México, para ponerla en una anécdota que contiene temas tan controversiales como el poder y que resulta universal, pues es un ejercicio de reflexión del devenir humano social y político. La novela está dividida en 4 partes, cada una titulada con una corta frase del himno nacional mexicano. La selección de las frases podría decirse que se vincula con la fuerza o con el acento donde está puesto la evolución de la historia en ese apartado. La prosa de Fuentes es pesada por momentos, pero lúcida y bella, y la anécdota oscila, como ya apunté en la sinopsis, entre dos niveles de relato: La conversación entre Nietzsche y Fuentes (otro), primero, que es de donde parten la historia y las reflexiones que mueven lo que se cuenta; el segundo, la historia propiamente dicha de la revolución, desde su gestación hasta sus últimas consecuencias. Estas dos líneas narrativas se complementan e ilustran de una manera precisa, y no otorgan concesiones de tregua o sentimentalismo barato, ni en sus dilucidaciones ni en su tratamiento.

A medida que la novela avanza todo se vuelve más oscuro, más irónico, más amargo. El desfile de personajes y los conflictos que sobre ellos caen, se vuelven más pesados conforme las páginas pasan. Llega un momento en el que ninguna salida se ve fiable e incluso parece que no hay salida. Todos los eventos están calculados para mostrar que la experiencia humana se basa en la repetición, como apunta Nietzsche en su concepto del Eterno Retorno. De hecho, todo el libro es muy “nietzscheano” (perdonen la palabra, señores académicos); no solo el filósofo ocupa el protagonismo de la novela, sino también su pensamiento. En la revuelta armada, en sus líderes, Saúl, Aarón y Dante, en sus opositores y en los participantes, se encarnan las características inconfundibles del método del pensador alemán; ahí se encuentran su dureza, su tenacidad, su calamidad, su amoralidad, su elitismo, su ironía punzante; su visión donde no hay dioses, ni moral que no sea una opresión y una venda en el corazón, los ojos y el intelecto. Cuando el lector se percata de que la historia no ha mejorado y que no lo hará en lo que resta del libro, llega a ese punto en el que anticipa el final. Sin embargo, esto no importa mucho… porque todo se repite y lo seguirá haciendo eternamente: Eterno. Retorno. Eterno. Retorno. Todo vive una vez y muchas. Todo se va, pero regresa.

Federico en su balcón es una poderosa, y al mismo tiempo discreta historia acerca de la espiral que es la historia humana; y nada mejor para ejemplificarlo que un proceso social tan violento e interesante, que halla su causa y finalidad en la destrucción de la verdad que gobierna, para cambiarla: una revolución. En este libro se representa claramente aquella frase acuñada por el mismo Carlos Fuentes, que reza así: “Las revoluciones las hacen hombres de carne y hueso y no los santos, y todas terminan por crear una nueva casta privilegiada”; Federico en su balcón, con sus ojos de duda, mira la revuelta que (no) ocurre por debajo de él, mientras corrobora aquella frase que dicta que se muere siendo un héroe, o se vive lo suficiente para convertirse en el villano. Un libro que no se pueden perder. 

Muchas gracias por leer. Hoy y todo el año. Saludos. 

De qué va la película/IX: El Hobbit: La desolación de Smaug

A un año de haber presentado la primera parte de su trilogía épica basada en la novela de Tolkien El Hobbit, Peter Jackson vuelve a la carga con la segunda parte titulada El Hobbit: La desolación de Smaug, que, sin duda, es mejor que su predecesora. Esta se siente más segura de sí misma y logra mantener interesada a su audiencia al lograr muy buenas secuencias de acción y emoción. Sin embargo, sus virtudes son, al mismo tiempo, sus defectos.

Esta secuela continúa el viaje emprendido por el hobbit Bilbo Bolsón y los 13 enanos liderados por Thorin Escudo de Roble, heredero al trono del reino de Erebor, para retomar su imperio perdido. En su camino tendrán que hacer frente a varias amenazas y contratiempos que los desvían de su viaje, incluyendo a Smaug, el temible dragón que acecha dormido en el reino bajo la montaña.

El Hobbit: La desolación de Smaug, es, como ya apunto en el párrafo inicial, mejor que su antecesora. Es mejor en las escenas de acción, que resultan divertidas, fluidas e impecablemente dirigidas. Una secuencia que tiene lugar durante una persecución en un río es un gran ejemplo de ello: Las batallas están muy bien coreografiadas. Es mejor en el tratamiento de sus personajes; ahora si se puede conectar más con ellos, interesarse de verdad por su empresa, y temerles, en el caso de los villanos. Hasta hay un conato de historia de amor, que queda poco desarrollada y por momentos hasta se siente improbable. Al querer darles más profundidad y protagonismo a los personajes secundarios, también los metieron en tramas que parecen callejones que no llevan a ninguna parte, sin embargo, qué diablos, se entiende lo que quisieron hacer. Eso no es justificación para defenderlo, pero vamos: esto es un blockbuster y hay que entenderlo como tal.

También es mejor en cuanto a ritmo, pues esta segunda parte sostiene muy bien su trama llevándola amena y entretenida por las tres horas de duración de la cinta, que no se sienten pasar. A pesar de ello, y si se está atento, en esto mismo se nota el principal aspecto negativo del que sufre la historia: Está demasiado estirada. Se notan las situaciones de relleno; la tranquilidad narrativa, en una gran cantidad de veces, no es para profundizar en los temas, sino que es un recurso para llenar las tres horas. Y es entendible, un texto que apenas llega a las 300 hojas no da para nueve horas de metraje dividido en 3 partes. Salí de la función preguntándome qué obsesión tiene Peter Jackson por tratar de hacer que sus filmes duren tanto y por darle a esta nueva trilogía el mismo tratamiento que le dio al Señor de los anillos (esa sí, una obra monumental).

Por otra parte, los efectos especiales son tanto maravillosos como excesivos; el uso y abuso del CGI tiene muchos momentos de poca efectividad narrativa y molestia visual. La saturación de pantallas verdes es notable en muchas secuencias. Por otra parte, los prodigios que permite tienen su clímax en la criatura que le da título a la película: el dragón Smaug. Su grande y estilizada figura se mueve pesada y ágil a partes iguales. El diseño es impecable, temible, y más al adherirle la profunda voz del actor Benedict Cumberbatch, que lo dota de una personalidad imponente. A pesar de sus deficiencias como personaje y las incoherencias que presenta, Smaug se roba el último tramo de la película.

En conclusión, El Hobbit: La desolación de Smaug, es un entretenido blockbuster que adolece de sus virtudes y viceversa. Si uno entra a la sala dispuesto a ver una buena aventura épica, ligera en su ostentosidad, no solo saldrá nada defraudado, sino hasta emocionado por el cliffhanger final que promete una tercera parte emocionante y plagada de acción. Peter Jackson conoce este universo: y se nota. 

Título: El Hobbit: La desolación de Smaug (The Hobbit: Desolation of Smaug)

Dirección: Peter Jackson

País: Estados Unidos

Año: 2013

Reparto:  Martin Freeman, Ian McKellen, Ian Holm, Christopher Lee,Mikael Persbrandt, Sylvester McCoy

Duración: 161 min