De qué va la película/XV: El gran Hotel Budapest

A un par de años de presentar el entrañable romance infantil de Moonrise Kingdom (2012), el director estadounidense Wes Anderson, vuele a escena con su nueva película El gran hotel Budapest (2014) que se presenta dentro del marco de la 56 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca.

Esta vez, Anderson nos cuenta la excéntrica historia del excéntrico Monsieur Gustave (Ralph Fiennes), el consierge del tal Hotel Budapest en los años 30, y su compañero Zero (Tony Revolori), el nuevo botones, quienes se ven prófugos de la justicia luego de que el primero es acusado injustamente de asesinar a su amante de 80 años y por robar un cuadro invaluable; aparte de contar, al mismo tiempo, como Gustave pasó de ser el consierge del hotel, a su dueño. Este nuevo filme del director de El fantástico señor Zorro (2009) es, a consideración de quien esto escribe, la obra más entretenida y equilibrada de su filmografía.

Cualquiera que esté familiarizado con el cine de Wes Anderson ya conoce sus vicios estéticos y narrativos: Tomas panorámicas, ligeros paneos, colores muy vivos, humor soso, ritmo pausado, pausas descriptivas, personajes raros, etc. Todos sus estilemas son particularmente identificables. En cada uno de sus filmes los explota, aunque a veces desequilibradamente y, al menos para mí, hasta su anterior película se sentían algo gastados. No obstante, en El gran hotel Budapest todos estos vicios son un gran acierto y contribuyen a incrementar las cualidades estéticas tan pulcras; su realización en el aspecto técnico resalta no por su novedad, sino por su pertinencia. Aquí, los emplazamientos de cámara aportan agilidad, sentido del humor y sorpresa; las tomas panorámicas deslumbran por los paisajes que muestran; los personajes conectan con el público y se sienten agradables en su peculiaridad.

El diseño de arte es sencillamente increíble: tonos apastelados y contrastantes, atmósferas casi de ensueño y escenarios impecablemente armados; la fachada y el lobby del hotel, por ejemplo, son de una arquitectura bellísima. Los decorados, a pesar de estar cargados de color y con una ligera saturación, nunca están demasiado cargados para molestar o sentirse ridículos. Visualmente, el filme es muy agradable.

Por otra parte, el cómo nos narra la historia es de por si llamativo: esta vez el director nos cuenta la historia dentro de la historia dentro de una historia; la trama se mueve dentro de 3 planos contextual-temporales, el primero en “el mundo real”, con una estudiante que lee un libro; el segundo, el contenido de este, la historia de cómo el escritor consiguió la historia que cuenta en el libro; y el tercero, la anécdota fantástica de M. Gustave y su compañero botones. El primer círculo es el menos explorado, sin embargo le aporta a todo un toque fantasioso que le va demasiado bien. El segundo es por mucho el más emotivo y nostálgico, y el tercero es todo chispa, elocuencia y agilidad (aparte de ser el principal). También, esta es la película de Anderson con más tragedia y, podrí decirse, violencia implícita. Eso le añade a la anécdota un toque más real, aparte de darle un golpe discreto al espectador, como diciéndole por lo bajo: “No todo aquí es inocentemente absurdo”. Una narrativa de muñeca rusa muy entretenida, vertiginosa y sorpresiva.

De las actuaciones no se puede más que apuntar que son todas muy buenas: la dupla principal se lleva las palmas, por supuesto (Ralph Fiennes, estupendo como el refinado M. Gustave; Tony Revolori, como Zero, no desentona ni un momento), pero el reparto secundario no se queda atrás y hasta aquellos que tienen pocas participaciones cumplen con creces (mención especial para Tilda Swinton como la anciana amante de Gustave y para Willem Dafoe, como el chuscamente siniestro  investigador privado/asesino a sueldo).

El director construyó el filme a partir de los escritos del austriaco Stefan Sweig (1881-1942), uno de los escritores más influyentes del siglo pasado. Quizás de ahí que el filme, en general, se sienta con algo asi como “un alma europea” (lo que sea que eso signifique, aunque considero que la expresión inexplicablemente se explica. Disculpen, señores teóricos, por la imprecisión): El contexto histórico en el que se desarrolla (periodo de entreguerra, con invasiones y militares registrando vagones), los paisajes naturales y culturales que presenta (nevados, o con hermosas praderas y colinas; las calles empedradas, las pastelerías, los modales), y varias cosas más, me hacen decir esto. 

En conclusión, El gran Hotel Budapest es una gran película, sumamente disfrutable, y apreciable. Es quizá la película más digerible de Anderson, pero eso es definitivamente algo bueno; aquí se puede conectar más con su cine. Todos sus vicios aquí se refinan y acrecientan para bien. Un filme imperdible. 

Título original: The Grand Budapest Hotel

Director: Wes Anderson

Año: 2014

País: Estados Unidos

Actúan: Ralph Fiennes, Tony Revolori, Tilda Swinton, Willem Dafoe, Saoirse Ronan, Edward Norton, Jude Law, Adrien Brody, Mathieu Amalric

Ni largos ni medios: Cortos/III: Mamá

La entrada pasada les compartí el cortometraje de terror “Lights Out”; ya encarrerados y con ganas de espantarnos con grandes historias cortas, hoy les traigo el cortometraje “Mamá”, del director Andrés Muschietti y en el que se basó el largometraje del mismo nombre, que produjo el mexicano Guillermo del Toro y que fue estrenada el año pasado.

En esta edición, es el mismo del Toro quien presenta el cortometraje, que acontece en una casa donde un par de niñas despiertan diciendo que “su mamá volvió”, solo que ella no es para nada como cualquiera podría imaginársela…

Sin más, se los dejo aquí abajo:

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Ni largos ni medios: Cortos/II: Lights Out

Los cortometrajes tienen una narración especial: En menos de media hora hay que contar una historia que se entienda cabalmente y que no duerma a tu público. No puedes explayarte tanto como en un largometraje de hora y media, deteniéndote en detalles y extendiendo descripciones: se trata más bien de economizar. Presentar una situación y mostrar rápidamente las motivaciones, los percances, el desarrollo y la conclusión. Es precisa una condensación milimétrica que al final mande el mensaje que quisiste mandar.

Por esto, el cortometraje se presta muchas veces para contar historias de ciencia ficción, fantasía o terror, pues con esos géneros puede jugarse con la incertidumbre y la sorpresa. Y justo dentro del terror es donde está el cortometraje que hoy les presento, titulado: Lights Out, del director David Sanberg, quien recientemente ganó en la terna de mejor director del concurso de cortometrajes de terror llamado “Who´s there?”; La historia es simple: Una mujer que está a punto de irse a dormir, apaga las luces de su departamento. Pero en la oscuridad hay algo que acecha…

Narrado en menos de 3 minutos, el corto maneja el suspenso con gran fluidez y mantiene expectante al que lo ve. Una gran pequeña historia con consciencia de sí misma, con una única intención firme: Asustar.

Conmigo lo logró y por eso quise compartírselos. Un producto que no se pueden perder. 

PD: Apagarán las luces?

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De qué va el libro/VI: Aquí abajo

Los gustos temáticos preferidos de quien esto escribe suelen ser oscuros. No soy un gran aficionado de las historias “felices”. No las desdeño, me agradan, pero siempre prefiero las historias nocturnas. No lo digo con orgullo o con una vanidad pretenciosa que ansía los temas profundos y pesados, solo son mis gustos. Hablaré alguna vez sobre eso con algún experto. Entre todos los libros o películas que suelo consumir, por supuesto que hay algunos más depresivos o grises que otros. Ese es el caso del libro que hoy les comparto: Aquí abajo, una novela del autor mexicano Francisco Tario. Pásenle, pásenle.

Francisco Tario (México, 1911 - Madrid, 1977) fue un escritor prácticamente desconocido en su época. Al no apegarse a los esquemas narrativos dominantes de los años 40 (que tendían al realismo), década a la que perteneció en su juventud, tuvo que mantenerse como una rareza, como una curiosidad que se encontraba rascando las piedras. De haber sido otro su destino quizá sería tan reconocido como Juan José Arreola o Juan Rulfo.

Su producción literaria, que consiste en su mayoría de cuentos y de unas cuantas novelas, se mantuvo casi en el anonimato, sus lectores nunca fueron tantos y eso le otorgó el estatus de escritor de culto. Su obra no se conseguía fácilmente, siempre estuvo casi oculta. Aquí abajo es quizá el caso más extremo de la dificultad en la adquisición de su obra. El libro solo tuvo una edición, publicada en 1943 por la antigua librería Robredo, pero los ejemplares solo acumulaban polvo y desaparecieron de las estanterías luego de un tiempo. Encontrar aquellas primeras ediciones es hasta la fecha toda una hazaña. A partir de entonces, la novela solo podía conseguirse en copias que rondaban de mano en mano en circuitos demasiado ocultos y subterráneos. No fue sino hasta el 2011 que el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, CONACULTA, decidió reeditarla dentro de su colección “Singulares”, que se inscribe en una iniciativa de recuperación de la memoria literaria mexicana.

Aquí abajo es una novela extraña, de esas que no se encuentran a menudo. Cuenta la historia de Antonio y Elvira, un matrimonio de clase media con dos hijos que apenas sobrevive. Y no exactamente debido a problemas económicos, sino a su propio vacío existencial que raya en el absurdo, en lo contradictorio; un vacío que cuando no está en las cimas está en los abismos.

El desarrollo de la historia es angustiante; todo resulta opresivo. Cuando no es la vida familiar, el trabajo, su entorno social o la iglesia (lo externo), son sus pensamientos, sus propios sentires (lo interno). El afuera y el adentro se funden en una experiencia perturbadora, intranquila. Con esto no quiero decir que pase demasiado a lo largo del libro. Todos los puntos nodales de la trama no salen de experiencias humanas hasta cierto punto cotidianas, ni a las que no todos estemos expuestos. Ahí radica el problema de todo: que nada es extraordinario. Las situaciones que enfrentan los protagonistas no se resolverán con un artefacto mágico, ni culminarán con el fin de una búsqueda: lo que buscan, (la redención, la paz) no existe, no está: ¿Cómo escapar de la cotidianeidad y sus monstruos torcidos, pesados, lúgubres? ¿Cómo sobrevivir a la orfandad en un mundo huérfano?

La ejecución de la novela resulta muy cercana al realismo mágico, que tendría su explosión en la década de los 60. La fuerza de la narración radica en su nihilismo descarado y en las imágenes que dibuja con palabras. Los personajes viven en una sociedad incomprensible, que los cerca con prohibiciones, contratos, deberes, responsabilidades; sus cabezas, por consiguiente, se llenan de prisiones, se confunden con toda la cantidad de cosas que deben atender: una relación, una infidelidad, un trabajo, dos hijos, un dios.

Todos estos dilemas recaen y se acentúan en el personaje de Antonio, (el protagonista, podría decirse); su figura encarna la angustia y el desencanto de la vida en una de sus expresiones más fieles, más terribles. Sobre sus hombros cae el peso del cansancio por la existencia misma. Si hay alguien cansado de existir, es Antonio. Eso lo vuelve un personaje por momentos detestable; su amargura no cesa, todo es gris ante su mirada. Exaspera su pesimismo, su actitud dubitativa. Antonio es un hombre pesado. Incluso leerlo, pesa.

En Aquí abajo no hay lugar para la piedad. La novela se desembaraza de cualquier atisbo de luz que pudiera asomarse en el cielo oscuro que presenta. No hay nada más que cansancio, tristeza, amargura, ironía siniestra, bromas macabras, pecado, pesadillas; ausencia de dioses, de luz, de oxígeno, de cambio. Todo permanece inamovible. Y en el lóbrego mundo escrito por Tario, cuando por fin se mueve, se destruye.

Encuentren un tiempo en su agenda y disfruten de la gran novela que Francisco Peláez Vega, alias Francisco Tario, nos dejó como legado. Un escritor que nació póstumo.

A continuación les comparto un fragmento muy pequeño de la obra. 

"Pero un día, un irremediable día sin fecha fija, todos los hombres querrían darse cuenta de ello, se pondrían de acuerdo, abandonarían los lienzos y las plumas, los martillos y el papel higiénico, tomarían aliento, abrirían las bocas, se levantarían en puntas y lanzarían el grito más espantoso y dilatado de que se tiene memoria.
Ese gran día merecería la pena vivirlo.

Difícilmente la Tierra, o lo que fuera, alcanzaría a soportarlo. Y todo se vendría al suelo -o en tal caso al vacío- como una catedral mal construida, al tronar fuerte el órgano. La Humanidad perecería a gusto. Todo habría sido un fracaso. Y Dios volvería a extender su prodigiosa mano sobre el azul infinito y yacente y surgiría de la Nada un nuevo mundo: un mundo de esta o de la otra forma en el que, ¡quien sabe!, tal vez fuera posible no gritar más; y reír con todas su fuerzas; y sentarse en el inodoro sin cerrar la puerta."

También les dejo este ameno e interesante texto publicado en Letras Libres acerca de la vida y la obra de Francisco Tario, por si les interesa conocer la historia de este escritor fantasma. Disfruten.

http://www.letraslibres.com/revista/dossier/francisco-tario-el-fantasma-que-rie

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Oscar 2014: Las reseñas

Pues el momento llegó: el domingo 2 de marzo es la entrega de los premios Oscar. Por ello, esta pequeña entrada tiene por propósito compilar las reseñas que hice sobre las películas nominadas en la terna de Mejor película. Debo agregar que, por razones de tiempo, no pude hacer la reseña de todas las películas contendientes, a pesar de que vi casi todas. Una disculpa.

Hagan sus predicciones; ¿vieron todas? En mi humilde opinión, me gustaría que este año ganara El club de los desahuciados (Dallas buyers club), pues fue mi favorita, además de que contiene la mejor actuación de McConaughey en su carrera.

Pero en fin, más allá de las discusiones intelectualoides que se podrían llevar a cabo a causa de los ganadores del premio, lo importante es divertirse y seguir continuando de la increíble fantasía llamada cine.

Aquí encontrarán de nuevo la reseña de Gravedad, de Alfonso Cuarón:

http://elreflejoylasombra.blogspot.mx/2013/10/de-que-va-la-peliculavii-gravedad.html

La de Escándalo Americano, de David O´Russell:

http://elreflejoylasombra.blogspot.mx/2014/01/de-que-va-la-peliculaxi-escandalo.html

Acá la de Ella, de Spike Jonze:

http://elreflejoylasombra.blogspot.mx/2014/02/de-que-va-la-peliculaxiii-ella.html

Aquí está 12 años esclavo, de Steve McQueen:

http://elreflejoylasombra.blogspot.mx/2014/02/de-que-va-la-peliculaxiv-12-anos-esclavo.html

Y acá, la reseña de El lobo de Wall Street, de Martin Scorsese:

http://elreflejoylasombra.blogspot.mx/2014/01/de-que-va-la-peliculax-el-lobo-de-wall.html

Chéquenlas de nuevo, por si se las perdieron o para hacer un repaso antes de la noche del domingo. Gracias por leer. Saludos.

De qué va la película/XIV: 12 años esclavo

El director Steve McQueen debutó en 2008 con su largometraje Hambre, cosechando críticas muy favorables y ganando la cámara de oro del festival de Cannes. Luego dirigió la película titulada Shame (2011), con la que obtuvo también grandes elogios. En 2013 presentó 12 años esclavo, con la que consigue ni más ni menos que la nominación al Oscar 2014 por mejor película. Y, viendo el trabajo que hizo detrás de la cámara, puedo asegurar que es una nominación más que merecida. 

12 años esclavo está basada en la autobiografía de Solomon Northup, un hombre de raza negra que vivía como un ciudadano libre con su esposa y sus dos hijos en Nueva York, en el año de 1841, hasta que fue engañado y secuestrado por dos hombres y vendido como esclavo. La historia narra justamente esos años de esclavitud, donde tuvo que soportar terribles vejaciones y humillaciones, al tiempo que luchó por sobrevivir en un mundo dominado por blancos.

Sin duda se está frente a una obra con resonancias históricas trascendentes, al igual que reflexivas. Es un filme que invita a pensar acerca de la realidad compleja y dura que fue el esclavismo, un hecho fundamental en la construcción de todo un país.

La esclavitud en Estados Unidos siempre ha sido un tema inflamable y escabroso de abordar, aunque es innegable que ha dado grandes películas. En el caso de este filme, el dedo toca la llaga muy profundamente; una dura crítica se encuentra en cada diálogo pronunciado por las víctimas y los victimarios, en cada acción llevada a cabo por unos o por otros: ahí está la hipocresía religiosa de los blancos, de “los dueños”, predicando la “palabra de Dios” y visitando a sus esclavas en la noche para violarlas, o haciendo que la biblia diga que un hombre negro debe recibir 100 latigazos si desobedece a su dueño. También ahí están las espaldas ensangrentadas, las llagas oscuras y el desdén de los amos, mostrados sin ninguna censura o consideración moralina, sino como realidad cotidiana. Tampoco faltan los diálogos ominosos con trascendencia metafísica o condenatoria, del tipo de: “Sobre este país hay una maldición”, pronunciado por cierto personaje forastero o “si de verdad hay justicia en el reino de Dios, usted pagará caro este pecado” dicho por el protagonista, al hombre blanco que masacra sin piedad la espalda y el espíritu de una mujer negra atada a un poste.

12 años esclavo es una película dura de ver, triste en la historia que cuenta. No faltan algunos planos de corte contemplativo, en el que solo vemos un rostro de algún personaje con la angustia y la desesperanza instalada en los ojos. Y en esos momentos solo hace falta ese rostro para sentir toda la tristeza que existe (existió) en esas vidas. Por momentos la salida de la situación no se ve en ningún lado, cosa que llega ser exasperante; en un momento el espectador no puede evitar preguntarse: ¿Cómo es posible tanto maltrato, tanta crueldad y saña? No cabe duda que los tiempos cambian y la “verdad” cambia con ellos. Hoy parece terrible la sola idea de la esclavitud; en el tiempo en que transcurre la película, comprar un par de negros era tan cotidiano como cenar con la familia o ir a la iglesia. Esos diálogos que apunté arriba invitan a la reflexión: quizás de verdad una maldición cae sobre Estados Unidos. Algo ha ido mal con él y con el mundo desde siempre. Si la historia humana contempla esos grandes momentos de dolor y tantas vidas perdidas, es que sucede algo malo con ella.

Definitivamente el tercer largometraje de McQueen es una obra cinematográfica que vale completamente cada minuto invertido. El elenco, ya de por sí impecable, logra unas actuaciones impresionantes, aunque las menciones especiales son para Chiwetel Ejiofor en el papel protagónico de Solomon Northup y a Michael Fassbender como el iracundo y cruel dueño de una plantación de algodón. Ambos dotan a sus personajes de personalidades particulares, haciendo que el público sienta su desesperación (en el caso de Chiwetel) o los odie (aunque no lo parezca, un elogio para Fassbender).

Al final, 12 años esclavo es una película no apta para personas susceptibles. La recreación de estos años es verdaderamente verosímil y muy cruel como para dejar a alguien indiferente. Esté preparado para ver años de violencia: años donde podían robarse el nombre de los hombres negros y disponer de sus vidas solo porque “eran inferiores”; Años donde las personas luchaban por conseguir una barra de jabón para lavarse; Años donde los golpes en la espalda con una cuerda eran cosa de todos los días; Años donde la muerte, era el mejor de los destinos.

Muchas gracias por leer, no se la pierdan. Saludos, no olviden darle like a la entrada y compartirla. Hasta la próxima.

Título: 12 años esclavo (12 years slave)

Director: Steve McQueen

Actúan: Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender, Benedict Cumberbatch, Lupita Nyong´o, Paul Dano, Paul Giamatti, Brad Pitt

País: Estados Unidos

Año: 2013

De qué va la película/XIII: Ella

Mucho se suele decir acerca de la falta de innovación y originalidad en el cine. Que si producciones “plásticas” y “superficiales”, o reciclajes y tonterías. Con un vistazo a Ella, la nueva película de Spike Jonze (y nominada al oscar 2014 por mejor película), esas aseveraciones pueden callarse, pues comprueba que con un tema tan manoseado se pueden seguir contando historias increíbles. Ella es una historia de amor entrañable y diferente. Una verdadera bocanada de aire fresco para estos tiempos que corren, tan llenos de cualquier cosa.

La película acontece en un futuro no tan lejano y cuenta la historia de Theodore Twombly, un hombre deprimido. Lleva casi un año separado de su esposa y se niega a firmar los papeles de divorcio. Trabaja en una compañía que se dedica a redactar cartas por pedido de sus clientes para sus familiares, cónyuges o lo que sea. Su vida es rutinaria y llena de soledad.

Cierto día adquiere un nuevo sistema operativo, que más que eso, es “una conciencia”, algo que “te entiende, te acompaña y te conoce”. Al instalarlo y agregarle la amable y simpática voz de “Samantha”, poco a poco descubre que la interacción con ella, con esa voz de mujer que no lo juzga y a quien puede contarle cosas que no le diría a nadie, se vuelve indispensable. Con ello ocurre lo inevitable: se enamora de ella. Lo que seguirá a partir de ahí es la historia de una relación que, como cualquier otra, tiene sus valles y sus simas. Una tierna, dolorosa e increíble historia de amor.

Es esta una película que merece, con justa razón, todos los elogios que puede haber con respecto a la frescura y la originalidad, pues ese es su mayor mérito. Y es que debido a su premisa, era demasiado fácil que Ella cayera en todas las cosas de las que suelen pecar producciones con premisas demasiado inflamables: lugares comunes, humor involuntario, absurdos giros de trama dolorosos de ver y pena ajena, entre otras. Afortunadamente Spike Jonze supo manejar hábilmente esta historia tan arriesgada para llevarla a buen puerto.

Para lograr esto, todas las partes que integran el filme funcionan a la perfección. En primer lugar, la actuación espléndida de Joaquin Phoenix logra transmitir esa soledad y melancolía que impregna a su personaje. La pesadez disimulada con la que hace su trabajo, el tono cansino con el que le dicta a su computadora cartas de amor o con el que habla con sus amigos. A su vez también logra trascender la pantalla la vivacidad que le inyecta la relación con Samantha, esa sonrisa que le provoca hablar con ella, y el dolor que siente al recordar su matrimonio fallido. El Theodore Twombly de Phoenix se siente real, el espectador puede identificarse con él, con su sentir, con su historia.

La otra actuación memorable es la de Scarlett Johansson como la voz del sistema operativo “Samantha”. La química con Phoenix es innegable y muy agradable de ver (¿o escuchar, más bien?). Su voz tiene todos los matices necesarios que requiere la historia: es sensual cuando debe serlo, se oye enamorada o triste, celosa, y hasta comprensiva. Realmente sería difícil no enamorarse de una voz así. Tampoco se puede dejar de mencionar a Amy Adams, muy en su papel de la pretenciosa pero tierna y fiel amiga de Theodore. Su papel no es sorprendente, pero es un buen secundario.

Lo siguiente en contribuir a que esta película sea memorable es el hecho de que nunca pierde el tono. Es consistente y coherente con ella misma. El mundo que nos presenta es totalmente verosímil, y las coincidencias (¿y predicciones?) con nuestro mundo actual, o lo que podría llegar a ser, son inevitables y hasta obligadas. Jonze nunca deja que las situaciones se desborden y mucho menos que el absurdo provoque pena ajena; a final de cuentas lo absurdo no es que un hombre esté enamorado de un sistema operativo, lo absurdo es el sentimiento mismo, las pasiones humanas. Porque el amor es absurdo, arbitrario, pero también fuerte e intenso cuando es real.

Ahí está puesto el acento: En las relaciones, en los sentimientos, en el hecho de vivir con alguien e incorporarlo a tu vida, en lo complicada que se vuelve la vida de cualquier persona cuando está enamorada. De Ella se aprende que cualquier relación con cualquier cosa que piense y tenga sentimientos (sea un humano o un sistema operativo) es una reverenda locura. Pero una locura que vale la pena. Una experiencia que quizá te deje en el suelo, que te haga experimentar el dolor y la tristeza más profundos… pero que al mismo tiempo te hace corroborar que estas vivo, que respiras, que te mueves; que amas.

Nos encontramos ante uno de los filmes más interesantes y propositivos que se han hecho en los últimos años; un filme que invita incluso a la reflexión sobre nuestra relación actual con la tecnología y nos da un vistazo a un futuro posible donde se hable hasta de relaciones con máquinas. Habrá que ver a donde nos lleva todo esto.

Spike Jonze ha logrado una película memorable, plagada de ideas novedosas, imaginativa y entrañable: Ella, una verdadera historia de amor. Nada menos.

Gracias por leer, no se pierdan la película y no olviden darle like a la entrada. Saludos.

Título: Her

Director: Spike Jonze

Actúan: Joaquin Phoenix, Scarlett Johansson, Amy Adams

País: Estados Unidos

Año: 2013