De qué va la película/XVI: X-men: Días del Futuro Pasado

Si algo ha caracterizado a la saga de X-men es la cantidad de imprecisiones temporales, lagunas narrativas y huecos argumentales que en prácticamente todas y cada una de las películas ha tenido. Eso sin mencionar la calidad de los filmes, que tiene variaciones impresionantes de entrega en entrega (sobre todo en algunos episodios que se saltan la barda). Esto ha provocado que esta saga de super héroes sea una de las más accidentadas en cuanto a coherencia unitaria se refiere.

Sin embargo, luego de la espléndida X-men: Primera Generación (2011), la fe en los personajes volvió. Ahora llega a cines la secuela de ambas líneas temporales (la original y la de Primera Generación) para tratar de corregir algunos errores, y al mismo tiempo ser una especie de nuevo inicio y cierre; así, X- men: Días del Futuro Pasado, con esas pretensiones tan ambiciosas, se vuelve una de las mejores películas de héroes (para quien esto escribe) y, en definitiva, la mejor de toda la saga mutante. Una película sencillamente brillante.

La película está basada en el comic homónimo publicado por Marvel en 1981. Para la adaptación cinematográfica, la historia sufrió importantes modificaciones en pro de una mejor narrativa visual y de unir ambas temporalidades fílmicas.

En un futuro distópico donde los mutantes han sido exterminados y casi llevados a la extinción por los Centinelas, robots creados específicamente para cazarlos, la única salida para evitar este apocalipsis es viajar al pasado para alterarlo y evitar el oscuro presente. Será trabajo de Wolverine volver al año de 1973 para tratar de convencer a sus similares de aquella época del futuro que les espera…

Con esta trama de por si interesante, el director Bryan Singer, quien abandonó la franquicia luego de X2 para dirigir Superman Regresa, rescata lo mejor de ambos mundos para ofrecernos un deleite visual que fusiona una trama inteligente con personajes complejos e increíbles secuencias de acción; todo lo que cualquier buen filme, veraniego o no, debe tener.

Antes que nada debe decirse que el elenco, ya de por si impresionante, otorga interpretaciones que aseguran su confianza en el papel; todos y cada uno entienden a su personaje, dotándolos de fuertes características que marcan las diferencias con todos los demás; Ian McEllen y Michael Fassbender son Magneto, abordaron su papel de la mejor forma posible; lo vuelven aún más poderoso y con matices increíbles de villano/héroe: de joven, aprovecha la menor oportunidad para actuar como cree que debe hacerlo, tomando decisiones radicales; de viejo, defiende la puerta donde Kitty Pride está enviando a Wolverine al pasado. Actos en polos prácticamente opuestos que vuelven todo más urgente, más consciente.

Por su parte, James McAvoy y Patrick Stewart, interpretan cada quien a un Charles Xavier que en el pasado ha sacrificado sus poderes para caminar y ha perdido la fe en sus causas, mientras que en el futuro mantiene unidos a los pocos mutantes que quedan y dirige la operación que habrá de cambiarles el rumbo a sus destinos. Un mismo personaje, dos personalidades distintas. Ambos pares de actores logran actuaciones totalmente increíbles, sin mencionar claro, que el material origen de donde parten está muy bien construido: Las motivaciones que cada uno tiene para actuar como actúa y tomar las decisiones que toma son totalmente claras, coherentes y verosímiles, al mismo tiempo que vuelven a los personajes más cercanos y logramos entender los porqués de su decadencia. Del resto del elenco se obtienen también muy buenas actuaciones, sobre todo de Jennifer Lawrence como Mystique, Peter Dinklage como Bolivar Trask y Nicolas Hoult como Bestia. La pléyade de actores no da nada menos que lo que se esperaba. (Mención honorífica para Jackman, quien se afianza al personaje de Wolverine para demostrarnos, una vez más, que solo él y nadie más, puede hacer ese papel. Nació para ser Logan).

Imitando un poco lo hecho en Primera Generación, X-men: Días del Futuro Pasado mezcla la trama con algunos eventos políticos reales, tales como el asesinato de John F. Kennedy, achacado en la película a Magneto, y  La Guerra de Vietnam, donde según lo que se nos cuenta cayeron varios mutantes al ser reclutados en las filas del ejército. Asimismo, hace aparición el ex presidente Richard Nixon, aquí implicado en la aprobación del programa Centinela, detonante de todo lo que vemos. Estos hechos y referencias políticas integrándose a la trama del cambio del destino mutante, dimensionan la anécdota de manera que todo se vuelve más realista e itneresante, sin mencionar que siempre es divertido ver a gente con poderes golpeando al presidente de los Estados Unidos.

A pesar de que toda la acción sucede en el pasado, lo que acontece en el futuro nos presenta toda la urgencia necesaria: los Centinelas son amenazas imparables, sus escenas impresionan por la brutalidad con la que asesinan; todo está en contra de los mutantes, que actúan a contratiempo y siempre expectantes de la inevitable amenaza que eventualmente los encuentra. La emotividad e importancia del pasado, vista desde el futuro, nos prepara para un clímax determinante que desemboca en un final con repercusiones importantísimas para los personajes, para la saga, y que abre un mundo de posibilidad infinitas para fortuna de los hijos del átomo y deleite nuestro.

En conclusión, Días del Futuro Pasado es una película brillante, con un guión inteligente, interesante, personajes bien construidos y que finaliza con un futuro prometedor. Es cierto que no arregla los errores de continuidad de la saga como se nos hizo pensar en un principio, pero, vista como una unidad, funciona perfectamente. Solo queda esperar por la siguiente aventura con el mutante Apocalipsis, que promete ser espectacular. El futuro de los mutantes luce interesante. Muy interesante.

Título: X-men: Days of Future Past

Director: Bryan Singer

País: Estados Unidos

Año: 2014

Actúan: Hugh Jackman, Jennifer Lawrence, James McAvoy, Michael Fassbender, Ian McEllen, Patrick Stewart, Peter Dinklage

Ni largos ni medios: Cortos/IV: Ataque de pánico

Siguiendo en la tradición de las historias cortas de fantasía y terror, hoy les traigo un cortometraje de ciencia ficción que es quizás ya un clásico de internet, pero que aún asi merece mención; se llama Ataque de pánico, y es dirigido por el uruguayo Fede Álvarez.

El cortometraje fue lanzado en 2009 y tuvo miles de visitas en youtube, volviéndose muy famoso desde entonces. Tanto fue el éxito, que el director recibió una oferta de Hollywood para ir a trabajar con ellos, ofreciéndosele más tarde el remake de la película Posesión infernal (Evil dead, 2013) originalmente dirigida por el cineasta Sam Raimi (trilogía Spider man) en sus tiempos de director de cine serie- B.

El cortometraje, a pesar de ser de muy bajo presupuesto, cuenta con efectos especiales muy buenos y una puesta en escena ágil y creativa para sus recursos. Tambien me parece importante resaltar que es una propuesta novedosa y poco usual por el lugar de donde proviene, ya que en general en latinoamérica no se hace mucho cine de Ciencia Ficción o el que se hace está en pequeños circuitos y tiene cabida solo en festivales especializados. Sumarse con un producto tan bueno merece todos los elogios. 

Narra en clave de suspenso una súbita y angustiante invasión de robots gigantes a la ciudad de Montevideo, que terminará en algo tan trágico como impresionante…

Sin más, el corto aquí abajo. Disfruten la invasión:

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A Gabriel

Una lluvia de minúsculas flores amarillas inundó Macondo cuando el patriarca de la familia Buendía murió. José Arcadio Buendía sucumbió ante los delirios que lo llevaron a terminar sus días amarrado a un poste. Todos en el pueblo recordarían ese suceso siempre.

Hoy la lluvia de flores cae sobre nuestras ciudades. Uno de los patriarcas de las letras latinoamericanas ha muerto, demostrando una vez más que a la guadaña de la muerte no se le mella el filo ni siquiera con los grandes hombres (para desgracia de ellos y de todos nosotros). Los legados que García Márquez deja (si, en plural), están en los estantes de las bibliotecas escolares, encuadernados con tapas verdes, cafés o azules, con sellos administrativos entre sus páginas y algo maltratados por los préstamos; en las librerías, cubiertos con plástico y con una etiqueta con un número que dice su precio más no su valor; están también en algunas casas, encima de los retretes o en libreros polvosos que la señora de la casa o su mucama han olvidado limpiar; en las repisas de tiendas departamentales o impresos en copias. Por todas partes pueden encontrarse partes de su inspiración, que se han vuelto públicas a pesar de nacer en la más íntima privacidad.

En todos estos lugares de la vida cotidiana está Gabriel. Y esto en cierta forma es un homenaje para él; porque él siempre hablaba de la cotidianeidad, de esa cotidianeidad que se volvía mágica entre las páginas de sus libros, en la que las vírgenes ascienden al cielo mientras doblan sábanas, los perros aprenden a llorar, la luz es como el agua, y vientos bíblicos arrancan ciudades de la tierra y de la memoria. También hablaba de la cotidianeidad incluso de aquellos hombres que han comprado un boleto a la historia como libertadores... o dictadores. Al mismo tiempo, y porque eso también es parte del ser de todos los días, nos contaba en sus historias que nadie puede escapar a la tragedia, pero que ella nunca lo ocupa todo: siempre hay luz. Los arcoíris de días nublados le confiaron este secreto.

Conocí a García Márquez por casualidad a los 15 años, un día que tomé arbitrariamente Cien años de soledad de la biblioteca de mi casa. Iba a mi taller de pintura y no tenía ninguna lectura con que hacer ameno el camino; eché un rápido vistazo al librero, descubrí aquella edición vieja del libro y pensé: “He escuchado mucho de él.  A ver qué tal”. Siempre digo que a la mitad del libro ya lo mencionaba como uno de mis favoritos de toda la vida. Hasta la fecha lo sigue siendo. Pocas obras me parecen tan bellas, tan magistrales, tan grandes. Sé que decirlo es un lugar común, pero en ciertas cosas los lugares comunes tienen razón. De ahí en adelante procuré más obras suyas y en todas me ha gustado. Mi experiencia con Márquez ha sido gustosa, llena de expectativa, alegría y de tristeza. No olvidaré lo intrigado que estaba por los pergaminos de Melquiades, ni tampoco el asombro ante el viento que arrasa Macondo. Imaginé en imágenes el final de ese libro miles de veces en mi cabeza.

Lo malo de tener ídolos grandes es que todos están muertos o, como es el caso, los ves morir. No mirarlos en presencia, sino de enterarse de ello. Y es triste. Pero el punto de todo esto es todo lo contrario a incitar a la tristeza; es un intento de pequeño homenaje a aquel personaje que me cautivó de adolescente, que influyó mi forma de escribir y de concebir las letras. Busco una parte de García Márquez en todo lo que leo y escribo, porque ¿quién no busca en todo al menos una parte de todo lo que ya le gusta?

Gabriel se ha ido, luego de sucumbir ante los delirios que lo llevaron a terminar sus días postrado en su cama (en la que seguramente había mil mariposas amarillas). Aquí se le recordará. Porque con su pluma ligera, siempre melancólicamente alegre, nos dejó pequeños pedazos de su inspiración desperdigados por todos los rincones, listos para saltarnos a los ojos y a la sonrisa, de pura casualidad o con toda alevosía. Con eso él se gana mil oportunidades más sobre la tierra, y nosotros nos aseguramos de que los próximos cien años no serán de soledad.

Y mañana cuidado al despertar: Las calles y los pórticos se atascarán con minúsculas flores amarillas que lloverán toda la noche, en memoria de quien (al menos a algunos), nos llevó a conocer el hielo y los sortilegios mágicos de los árabes errantes.

De qué va la película/XV: El gran Hotel Budapest

A un par de años de presentar el entrañable romance infantil de Moonrise Kingdom (2012), el director estadounidense Wes Anderson, vuele a escena con su nueva película El gran hotel Budapest (2014) que se presenta dentro del marco de la 56 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca.

Esta vez, Anderson nos cuenta la excéntrica historia del excéntrico Monsieur Gustave (Ralph Fiennes), el consierge del tal Hotel Budapest en los años 30, y su compañero Zero (Tony Revolori), el nuevo botones, quienes se ven prófugos de la justicia luego de que el primero es acusado injustamente de asesinar a su amante de 80 años y por robar un cuadro invaluable; aparte de contar, al mismo tiempo, como Gustave pasó de ser el consierge del hotel, a su dueño. Este nuevo filme del director de El fantástico señor Zorro (2009) es, a consideración de quien esto escribe, la obra más entretenida y equilibrada de su filmografía.

Cualquiera que esté familiarizado con el cine de Wes Anderson ya conoce sus vicios estéticos y narrativos: Tomas panorámicas, ligeros paneos, colores muy vivos, humor soso, ritmo pausado, pausas descriptivas, personajes raros, etc. Todos sus estilemas son particularmente identificables. En cada uno de sus filmes los explota, aunque a veces desequilibradamente y, al menos para mí, hasta su anterior película se sentían algo gastados. No obstante, en El gran hotel Budapest todos estos vicios son un gran acierto y contribuyen a incrementar las cualidades estéticas tan pulcras; su realización en el aspecto técnico resalta no por su novedad, sino por su pertinencia. Aquí, los emplazamientos de cámara aportan agilidad, sentido del humor y sorpresa; las tomas panorámicas deslumbran por los paisajes que muestran; los personajes conectan con el público y se sienten agradables en su peculiaridad.

El diseño de arte es sencillamente increíble: tonos apastelados y contrastantes, atmósferas casi de ensueño y escenarios impecablemente armados; la fachada y el lobby del hotel, por ejemplo, son de una arquitectura bellísima. Los decorados, a pesar de estar cargados de color y con una ligera saturación, nunca están demasiado cargados para molestar o sentirse ridículos. Visualmente, el filme es muy agradable.

Por otra parte, el cómo nos narra la historia es de por si llamativo: esta vez el director nos cuenta la historia dentro de la historia dentro de una historia; la trama se mueve dentro de 3 planos contextual-temporales, el primero en “el mundo real”, con una estudiante que lee un libro; el segundo, el contenido de este, la historia de cómo el escritor consiguió la historia que cuenta en el libro; y el tercero, la anécdota fantástica de M. Gustave y su compañero botones. El primer círculo es el menos explorado, sin embargo le aporta a todo un toque fantasioso que le va demasiado bien. El segundo es por mucho el más emotivo y nostálgico, y el tercero es todo chispa, elocuencia y agilidad (aparte de ser el principal). También, esta es la película de Anderson con más tragedia y, podrí decirse, violencia implícita. Eso le añade a la anécdota un toque más real, aparte de darle un golpe discreto al espectador, como diciéndole por lo bajo: “No todo aquí es inocentemente absurdo”. Una narrativa de muñeca rusa muy entretenida, vertiginosa y sorpresiva.

De las actuaciones no se puede más que apuntar que son todas muy buenas: la dupla principal se lleva las palmas, por supuesto (Ralph Fiennes, estupendo como el refinado M. Gustave; Tony Revolori, como Zero, no desentona ni un momento), pero el reparto secundario no se queda atrás y hasta aquellos que tienen pocas participaciones cumplen con creces (mención especial para Tilda Swinton como la anciana amante de Gustave y para Willem Dafoe, como el chuscamente siniestro  investigador privado/asesino a sueldo).

El director construyó el filme a partir de los escritos del austriaco Stefan Sweig (1881-1942), uno de los escritores más influyentes del siglo pasado. Quizás de ahí que el filme, en general, se sienta con algo asi como “un alma europea” (lo que sea que eso signifique, aunque considero que la expresión inexplicablemente se explica. Disculpen, señores teóricos, por la imprecisión): El contexto histórico en el que se desarrolla (periodo de entreguerra, con invasiones y militares registrando vagones), los paisajes naturales y culturales que presenta (nevados, o con hermosas praderas y colinas; las calles empedradas, las pastelerías, los modales), y varias cosas más, me hacen decir esto. 

En conclusión, El gran Hotel Budapest es una gran película, sumamente disfrutable, y apreciable. Es quizá la película más digerible de Anderson, pero eso es definitivamente algo bueno; aquí se puede conectar más con su cine. Todos sus vicios aquí se refinan y acrecientan para bien. Un filme imperdible. 

Título original: The Grand Budapest Hotel

Director: Wes Anderson

Año: 2014

País: Estados Unidos

Actúan: Ralph Fiennes, Tony Revolori, Tilda Swinton, Willem Dafoe, Saoirse Ronan, Edward Norton, Jude Law, Adrien Brody, Mathieu Amalric

Ni largos ni medios: Cortos/III: Mamá

La entrada pasada les compartí el cortometraje de terror “Lights Out”; ya encarrerados y con ganas de espantarnos con grandes historias cortas, hoy les traigo el cortometraje “Mamá”, del director Andrés Muschietti y en el que se basó el largometraje del mismo nombre, que produjo el mexicano Guillermo del Toro y que fue estrenada el año pasado.

En esta edición, es el mismo del Toro quien presenta el cortometraje, que acontece en una casa donde un par de niñas despiertan diciendo que “su mamá volvió”, solo que ella no es para nada como cualquiera podría imaginársela…

Sin más, se los dejo aquí abajo:

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Ni largos ni medios: Cortos/II: Lights Out

Los cortometrajes tienen una narración especial: En menos de media hora hay que contar una historia que se entienda cabalmente y que no duerma a tu público. No puedes explayarte tanto como en un largometraje de hora y media, deteniéndote en detalles y extendiendo descripciones: se trata más bien de economizar. Presentar una situación y mostrar rápidamente las motivaciones, los percances, el desarrollo y la conclusión. Es precisa una condensación milimétrica que al final mande el mensaje que quisiste mandar.

Por esto, el cortometraje se presta muchas veces para contar historias de ciencia ficción, fantasía o terror, pues con esos géneros puede jugarse con la incertidumbre y la sorpresa. Y justo dentro del terror es donde está el cortometraje que hoy les presento, titulado: Lights Out, del director David Sanberg, quien recientemente ganó en la terna de mejor director del concurso de cortometrajes de terror llamado “Who´s there?”; La historia es simple: Una mujer que está a punto de irse a dormir, apaga las luces de su departamento. Pero en la oscuridad hay algo que acecha…

Narrado en menos de 3 minutos, el corto maneja el suspenso con gran fluidez y mantiene expectante al que lo ve. Una gran pequeña historia con consciencia de sí misma, con una única intención firme: Asustar.

Conmigo lo logró y por eso quise compartírselos. Un producto que no se pueden perder. 

PD: Apagarán las luces?

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De qué va el libro/VI: Aquí abajo

Los gustos temáticos preferidos de quien esto escribe suelen ser oscuros. No soy un gran aficionado de las historias “felices”. No las desdeño, me agradan, pero siempre prefiero las historias nocturnas. No lo digo con orgullo o con una vanidad pretenciosa que ansía los temas profundos y pesados, solo son mis gustos. Hablaré alguna vez sobre eso con algún experto. Entre todos los libros o películas que suelo consumir, por supuesto que hay algunos más depresivos o grises que otros. Ese es el caso del libro que hoy les comparto: Aquí abajo, una novela del autor mexicano Francisco Tario. Pásenle, pásenle.

Francisco Tario (México, 1911 - Madrid, 1977) fue un escritor prácticamente desconocido en su época. Al no apegarse a los esquemas narrativos dominantes de los años 40 (que tendían al realismo), década a la que perteneció en su juventud, tuvo que mantenerse como una rareza, como una curiosidad que se encontraba rascando las piedras. De haber sido otro su destino quizá sería tan reconocido como Juan José Arreola o Juan Rulfo.

Su producción literaria, que consiste en su mayoría de cuentos y de unas cuantas novelas, se mantuvo casi en el anonimato, sus lectores nunca fueron tantos y eso le otorgó el estatus de escritor de culto. Su obra no se conseguía fácilmente, siempre estuvo casi oculta. Aquí abajo es quizá el caso más extremo de la dificultad en la adquisición de su obra. El libro solo tuvo una edición, publicada en 1943 por la antigua librería Robredo, pero los ejemplares solo acumulaban polvo y desaparecieron de las estanterías luego de un tiempo. Encontrar aquellas primeras ediciones es hasta la fecha toda una hazaña. A partir de entonces, la novela solo podía conseguirse en copias que rondaban de mano en mano en circuitos demasiado ocultos y subterráneos. No fue sino hasta el 2011 que el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, CONACULTA, decidió reeditarla dentro de su colección “Singulares”, que se inscribe en una iniciativa de recuperación de la memoria literaria mexicana.

Aquí abajo es una novela extraña, de esas que no se encuentran a menudo. Cuenta la historia de Antonio y Elvira, un matrimonio de clase media con dos hijos que apenas sobrevive. Y no exactamente debido a problemas económicos, sino a su propio vacío existencial que raya en el absurdo, en lo contradictorio; un vacío que cuando no está en las cimas está en los abismos.

El desarrollo de la historia es angustiante; todo resulta opresivo. Cuando no es la vida familiar, el trabajo, su entorno social o la iglesia (lo externo), son sus pensamientos, sus propios sentires (lo interno). El afuera y el adentro se funden en una experiencia perturbadora, intranquila. Con esto no quiero decir que pase demasiado a lo largo del libro. Todos los puntos nodales de la trama no salen de experiencias humanas hasta cierto punto cotidianas, ni a las que no todos estemos expuestos. Ahí radica el problema de todo: que nada es extraordinario. Las situaciones que enfrentan los protagonistas no se resolverán con un artefacto mágico, ni culminarán con el fin de una búsqueda: lo que buscan, (la redención, la paz) no existe, no está: ¿Cómo escapar de la cotidianeidad y sus monstruos torcidos, pesados, lúgubres? ¿Cómo sobrevivir a la orfandad en un mundo huérfano?

La ejecución de la novela resulta muy cercana al realismo mágico, que tendría su explosión en la década de los 60. La fuerza de la narración radica en su nihilismo descarado y en las imágenes que dibuja con palabras. Los personajes viven en una sociedad incomprensible, que los cerca con prohibiciones, contratos, deberes, responsabilidades; sus cabezas, por consiguiente, se llenan de prisiones, se confunden con toda la cantidad de cosas que deben atender: una relación, una infidelidad, un trabajo, dos hijos, un dios.

Todos estos dilemas recaen y se acentúan en el personaje de Antonio, (el protagonista, podría decirse); su figura encarna la angustia y el desencanto de la vida en una de sus expresiones más fieles, más terribles. Sobre sus hombros cae el peso del cansancio por la existencia misma. Si hay alguien cansado de existir, es Antonio. Eso lo vuelve un personaje por momentos detestable; su amargura no cesa, todo es gris ante su mirada. Exaspera su pesimismo, su actitud dubitativa. Antonio es un hombre pesado. Incluso leerlo, pesa.

En Aquí abajo no hay lugar para la piedad. La novela se desembaraza de cualquier atisbo de luz que pudiera asomarse en el cielo oscuro que presenta. No hay nada más que cansancio, tristeza, amargura, ironía siniestra, bromas macabras, pecado, pesadillas; ausencia de dioses, de luz, de oxígeno, de cambio. Todo permanece inamovible. Y en el lóbrego mundo escrito por Tario, cuando por fin se mueve, se destruye.

Encuentren un tiempo en su agenda y disfruten de la gran novela que Francisco Peláez Vega, alias Francisco Tario, nos dejó como legado. Un escritor que nació póstumo.

A continuación les comparto un fragmento muy pequeño de la obra. 

"Pero un día, un irremediable día sin fecha fija, todos los hombres querrían darse cuenta de ello, se pondrían de acuerdo, abandonarían los lienzos y las plumas, los martillos y el papel higiénico, tomarían aliento, abrirían las bocas, se levantarían en puntas y lanzarían el grito más espantoso y dilatado de que se tiene memoria.
Ese gran día merecería la pena vivirlo.

Difícilmente la Tierra, o lo que fuera, alcanzaría a soportarlo. Y todo se vendría al suelo -o en tal caso al vacío- como una catedral mal construida, al tronar fuerte el órgano. La Humanidad perecería a gusto. Todo habría sido un fracaso. Y Dios volvería a extender su prodigiosa mano sobre el azul infinito y yacente y surgiría de la Nada un nuevo mundo: un mundo de esta o de la otra forma en el que, ¡quien sabe!, tal vez fuera posible no gritar más; y reír con todas su fuerzas; y sentarse en el inodoro sin cerrar la puerta."

También les dejo este ameno e interesante texto publicado en Letras Libres acerca de la vida y la obra de Francisco Tario, por si les interesa conocer la historia de este escritor fantasma. Disfruten.

http://www.letraslibres.com/revista/dossier/francisco-tario-el-fantasma-que-rie

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