De qué va la película/XVII: La Imagen Ausente

“Ser es ser percibido”, dijo el filósofo inglés George Berkeley. Con esto quería decir que la existencia de un hombre (o un objeto) se manifiesta en cuanto es percibido por otro ente capacitado para percibirlo. Se desprende de esto la importancia de la mirada, de la observación y la experiencia empírica, la sensible, como elementos fundamentales del éxito ontológico.

La discusión podría ejemplificarse con la pregunta conocida: si nadie escuchó ni vio al árbol caerse en medio del bosque, ¿éste realmente se cayó? La cuestión puede seguir e incluso llevarse al terreno artístico cinematográfico; La Imagen Ausente (Rithy Panh, 2013) es un vivo ejemplo de la necesidad de una imagen que pueda ser percibida, no como mera ilustración, sino como evidencia de la memoria; de que hubo historia. 

En 1975, en Camboya, el régimen dictatorial del general Lon Nol fue derrocado por el ejército de los llamados “Jemeres Rojos”. Su líder, Pol Pot, luego de tomar el poder, formó la Kampuchea Democrática, basada en ideales comunistas; pero sus acciones no hicieron nada más que frenar el desarrollo de sus ciudadanos e instaurar un régimen totalitario basado en ideas radicales y no poco crueles, que contemplaban un anti capitalismo extremo, pobre racionalización de la comida, trabajo agrario extenuante, fusilamientos arbitrarios y precarias condiciones de higiene y salud, que conducirían a lo que en la actualidad es conocido como “El genocidio camboyano”.

El director de La Imagen Ausente, vivió en carne propia los crímenes que los Jemeres Rojos perpetraron no solo contra sus conciudadanos, sino con su propia familia. Para armar el documental, buscó imágenes de aquellos tiempos, pero las pocas que encontró no eran suficientes. No permanecieron evidencias. Por tanto, decidió recrear  escenarios y situaciones con figuras de arcilla, transponiéndolos también con las contadas filmaciones que pudo rescatar, hechas por algunos camarógrafos que pertenecían a los propios Jemeres; con ellas trae al presente la memoria (su propia memoria) de una época de miedo, deshumanización y desolación; una época de pobreza material y espiritual y de violencia omnipresente; la hace visible a través de esas figuras infantiles y poco estilizadas, coloridas y de una primitiva belleza artesanal, que sin embargo no aminoran el impacto del relato. Esos rostros de arcilla inmóvil, que miran sin ojos, gritan sin emitir sonido alguno y erizan la piel de aquel que los ve (del que observa la memoria); las figuras encorvadas y enanas nos cuentan la historia de un pueblo en el que cada persona no poseía nada más que una cuchara, porque todas sus pertenencias (ropa, dinero, comida) le fueron arrebatadas por ser consideradas propiedad privada, por tanto, enemigas a la causa; cuentan la historia de un pueblo que trabajaba en campos de arroz diariamente y que solo descansaba para ser adoctrinado y alabar posters pegados en la pared de Marx, Lenin y Trotsky; cuentan la historia de un pueblo diezmado por experimentos, por fusilamientos, por represión; por la promesa de una sociedad perfecta basada en el orden, la explotación, el colectivismo y la abolición de la propiedad privada, por el miedo; por la soledad y por el hambre.

Las imágenes ausentes en este documental son aún más fuertes que cualquier otra, porque el hecho de que justamente no estén, o no haya, da cuenta de la atrocidad de los eventos. La evocación de las escenas inhumanas que provocan las figuras, la narración en off y los sonidos, contienen en sí mismas tanta tensión como cualquier material de archivo. Ese contrapunto entre lo naif  y lo atroz, provoca un choque que violenta pacíficamente al espectador y le lleva a ser testigo (y por ende ese otro necesario para existir) de un trauma histórico y una pesadilla colectiva que aún marcan a una sociedad.

Es curioso que una película con una forma tan fascinante y que está compuesta por imágenes atractivas, resalte en su título justo aquellas imágenes que le faltan, las ausentes. Pero eso quizás es una forma de instalarse en dos tipos de posturas contra el hecho: Homenaje a aquellos que cayeron (esos soldados desconocidos que terminaron sus días en fosas comunes) y su permanencia en el recuerdo como un acto subversivo (y con esto evoco el subversivo recuerdo único de Aureliano Buendía de todos los obreros muertos en el tren).

La Imagen Ausente es muchas imágenes; un filme que nos muestra aquello que no está, que nos hace contemplar detrás de la máscara, y así nos hace entrar en el juego dialéctico de ver-ser visto en el que todos, siempre, somos ambas partes; de esta forma, tanto nosotros como ellos nos reafirmamos y también reafirmamos la historia, el mundo; “Hay porque vemos”, ya escribió Pessoa. 

Titulo: L´image manquante

Director: Rithy Panh

País: Francia-Camboya

Año: 2013

Ni largos ni medios: Cortos/V: Before the Dawn of the Apes

Algunas veces, la publicidad de algunos productos puede alcanzar niveles muy altos respecto a su calidad y a sus pretensiones. Algunas de esas campañas tienen la habilidad de producir contenidos que rebasan su mera aspiración utilitaria y se convierten en piezas que, por si solas, valen mucho la pena (ya sea en su propuesta, ingenio o cualidades estéticas), y las películas no son la excepción; Muchas veces los filmes hollywoodenses echan mano de ingeniosas campañas virales para reforzar la imagen de equis película con el público, otorgando en no pocos casos verdaderas obras cuya valía vale la pena ser reconocida. Ese es el caso de los cortometrajes que hoy les presento.

En poco tiempo se estrenará la película El Planeta de los Simios: Confrontación (2014, Matt Reeves), la secuela de la gran película de 2011 El Planeta de los Simios: (R)Evolución (Rupert Wyatt), y que transcurre 10 años después de esta última, en un mundo donde simios y humanos (los que quedan) luchan por igual por la supervivencia y el dominio de su especie.

Para que los espectadores no lleguemos tan en blanco (y obviamente, como parte de una campaña publicitaria del filme), se ha liberado una serie de 3 cortometrajes con el titulo Before the Dawn of the Apes, que cubre algunos momentos de esos 10 años omitidos entre historias. Aunque, para mi gusto, el último es el que más destaca, todos valen la pena revisarlos, pues son una muestra de que grandes cosas pueden salir con cualquier pretexto. Sin más, se los dejo a continuación:

El primero, titulado Quarantine, que ocurre un año después de la aparición de la gripe provocada por los simios:

El segundo, llamado All Fall Down, que tiene lugar 5 años después de la gripe:

Y el último, en gusto mío, el mejor de la triada; A Gun, ocurre 10 años después de la debacle humana: 

Espero los disfruten. Yo lo hice y por eso quise compartírselos. Nos estamos leyendo, no olviden darle like a la entrada y compartirla. Saludos a todos. 

Un año

Una noche hace exactamente un año, escribí un estado en facebook recomendando la película Buscando a Sugar Man. Era un estado breve, muy sintético, que trataba de ser una especie de invitación a mis contactos a que vieran la película. En cuanto lo releí una vez publicado, me entró de súbito una especie de gusto por haberlo escrito y tuve una idea: ¿por qué no escribir reseñas de las películas que veo y publicarlas?

En un principio pensé que las notas de facebook eran buena idea, pero vi las que tenía y me parecieron poco estéticas a decir verdad, “mínimo que se vean bonitas”, pensé. Entonces recordé el blog de uno de mis mejores amigos. Corrí a verlo y, aunque le fallaban algunas cosillas del diseño (tú, Miguel, no me dejarás mentir), inmediatamente me pareció algo muy atractivo. Sin pensarlo más de dos veces, decidí: “abriré un blog”.

En ese mismo instante busqué cómo hacer blogs y un par de horas después ya estaba listo. Soy un tipo desidioso, es verdad, y como reza una frase atribuida a Charles Bukowski, mi ambición está limitada por mi pereza; sin embargo, aquella noche tuve uno de esos ataques de verdadero interés por lo que estoy haciendo (y cuando los tengo realmente me obsesiono). Cuando ya lo tenía, redacté el saludo del blog y lo pasé a muchos de mis amigos en facebook, invitándolos a visitarlo. Si alguno de ellos le esto tal vez lo recuerde. 

Hoy este blog llamado El Reflejo y la Sombra cumple un año de haber sido creado en una sola noche de euforia creativa. Yo, Carlos, estoy muy orgulloso de este espacio y aunque quizás no sea el mejor blog del mundo, me agrada mucho pensar en función de hacerlo visitable e interesante. Tan solo ustedes, lectores, me podrán decir si lo logro.

Muchas gracias a ti, cibernauta que llegas a estos lares y te tomas tiempo de leer lo que aquí publico. Este blog tiene un año y aun se pueden hacer muchas cosas con él, pues los libros, las películas, los cortos, los cuentos y los reportajes abundan y siempre habrá algo nuevo que recomendar. Espero poder escribir otra cosa cursi como ésta dentro de un año y entrar con un nuevo diseño en otro aniversario más de El Reflejo y la Sombra.

Aquella primera noche de vida, una canción de Carlos Gardel apadrinó involuntariamente la primera entrada de este blog. Nomás por gusto y nostalgia, Gardel inaugurará este nuevo año. Disfrútenla y nos seguimos leyendo. Gracias.

Y que la función continúe. 

De textos y algo más/IV: De lo efímero

Lo efímero invade todos los ámbitos: los objetos, el pensamiento, la cultura. La sociedad actual se ha entregado a una visión hedonista, y el placer ocupa un papel central en la vida cotidiana; placer efímero que busca la satisfacción más inmediata de sus pulsiones.

En la era actual, producto del proceso de globalización, donde el gusto se ha homogeneizado y los productos culturales de la cultura pop reúnen a todos aquellos que se exponen a su influencia bajo los mismos referentes discursivos, los epicentros se han difuminado, disminuyen poco a poco los privilegios aristocráticos de los que tanto hablaba Nietzsche. Todas las clases son arrastradas por la ebriedad del cambio y las fiebres del momento. Una nueva generación de sociedades burocráticas y democráticas, de signo ligero y frívolo han hecho su aparición; ya no imposición coercitiva de las masas, sino socialización por la selección. Ya no revolución, sino entusiasmo de los sentidos. Ya no solemnidad ideológica, sino comunicación publicitaria. 

"Campbell´s soup cans" Andy Warhol, 1962

Ya los teóricos han denunciado, en un exceso crítico, la hegemonía alienante de la moda. El devenir moda de nuestras sociedades se identifica con la institucionalización del consumo, el fomento de necesidades artificiales y la normalización e hipercontrol de la vida privada. La sociedad de consumo supone programación de lo cotidiano; manipula la vida individual, diviéndola en segmentos. Todo se transforma en artificio e ilusión al servicio del beneficio capitalista y de las clases dominantes.

Se puede caracterizar a la “sociedad de consumo” bajo diferentes aspectos: elevación del nivel de vida, abundancia de servicios y artículos, culto a los objetos y a la diversión, moral hedonista y materialista, etc. Sin embargo, lo que la define es la generalización del proceso de la moda, se impone en la sociedad el hambre constante de la renovación, por la necesidad de una excitación perpetua que requiere de nuevos estímulos para producirse.

Esto no requiere constatación teórica, se puede ver fácilmente. Apenas salió un modelo de cierto producto y un año después sale una nueva versión con una pequeña mejora o adición. Solo “lo de moda” hay que adquirir; la sociedad vive en la neofilia. Los productos del mercado están hechos para no durar; al mismo tiempo, la industria no da tregua en sus nuevos lanzamientos y ha abrazado, también, la forma de producción efímera, pasajera, de moda. Se ha vuelto prácticamente una ley: una firma que no crea regularmente nuevos modelos, pierde fuerza de penetración en el mercado y debilita su sello de caducidad en una sociedad donde la opinión espontánea es que lo nuevo es superior a lo viejo. Nuestro sistema económico es arrastrado a una espiral en la que reina la innovación y la caducidad se acelera.

Dentro de este marco de frivolidad evolucionada, el diseño se ha convertido en parte integrante de la concepción de los productos; la industria ha adoptado la perspectiva de la elegancia y la seducción. La apariencia de los productos y su renovación estilística ocupan siempre un lugar determinante en la producción industrial, asi como también su presentación es determinante para sus buenas ventas. Cada vez más los pequeños objetos dejan atrás su carácter austero y se vuelven alegres, cambiantes, lúdicos; todo parece embriagado de apariencia.

No obstante, es interesante mencionar que cuanto más se acrecienta la complejidad técnica, más se depura y se torna sobrio el aspecto exterior de los objetos. La sofisticación de las cosas ha sido sustituida por un superfuncionalismo de alta tecnología. La moda se ve más en el lujo de la precisión, de la técnica, del buen funcionamiento; formas adaptadas a las funciones.

"Visioni simultanee" Umberto Boccioni, 1911

La Cultura del Espectáculo domina la escena mundial. En nuestra sociedad mediática, las imágenes certifican la realidad. Si no hay imágenes, nada ha sucedido y nada conmueve. Google y su paraíso icónico que despliega miles de imágenes por búsqueda, las noticias acompañadas de video, ilustraciones en los libros, espectaculares publicitarios erigiéndose en cada esquina de la ciudad.

Este endiosamiento de la moda engendra la disgregación de los vínculos sociales. Despersonaliza en su afán homogeneizador y pulveriza las diferencias “tradicionales”, fundamentándolas ahora en sus propias reglas. Ahora las diferencias se miden con respecto a que generación de teléfono se usa o qué navegador se tiene. Las relaciones sociales, así, pasan a ser  segmentarias, flexibles y adaptadas al gusto de la moda. Lo efímero ha invadido, también, la esfera de la vida asociativa. Ya no se quiere la comunicación personal ni el apego a las “reglas”, ni siquiera las físicas; se habla cuando se quiere, donde se quiere. Ya no hay redes de personas; hay muchos yos.  

"Golconda" René Magritte, 1953

Cuentos memorables/VI: Pérdida y recuperación del pelo

Todos los que me conocen saben que probablemente mi escritor favorito es Julio Cortázar. Ya sé que es un cliché, pero que carajos. Hace poco menos de un año compartí por aquí un cuento suyo, titulado Bruja, uno de mis favoritos. Releyendo algunas historias de mi volumen de Cuentos Completos, tope con este otro que hoy les comparto: Pérdida y recuperación del pelo. 

Julio Cortázar nació en Bruselas el 26 de agosto de 1914, de padres argentinos. Llegó a Argentina a los cuatro años de edad y pasó la infancia en Bánfield, un suburbio de Buenos Aires. Enseñó literatura francesa en la Universidad de Cuyo, Mendoza y renunció a su cargo por desacuerdos con el gobierno. En 1951 se trasladó a París donde trabajó como traductor. Se convirtió en una de las principales figuras del llamado “boom” de la literatura hispanoamericana, y disfrutó del reconocimiento internacional. Ya en años de madurez, se identificó con los pueblos marginados y estuvo muy cerca de los movimientos de izquierda, tras su visita a Cuba en 1962 (muestra de ello es su cuento Reunión, situado justo después del desembarco del Che Guevara en Santa Clara, Cuba). En 1981 se le otorgó la ciudadanía francesa, cosa que lo haría muy feliz, como queda palpable en un texto que escribió sobre ello, titulado Disculpen si leo estas palabras… Contenido en el libro Papeles Inesperados (Punto de lectura, México, 2012, por si a alguien le interesa). Murió en 1982, a causa de leucemia.

El presente cuento es una gran oda al ocio: en él, cierto personaje de una familia con gustos extraños, cuenta una de las actividades favoritas del linaje: tirar un pelo por el lavabo y luego tratar de buscarlo por las cañerías. Esta actividad, a primera vista tan tonta y sobre todo inútil, se muestra como una perfecta evidencia de que la consecución de fines útiles (lo que sea que sea un “fin útil”) no va más allá de la propia concepción del mundo de quien los persigue y que al final, que diablos, todo (incluida la vida) no es o no debería ser más que juego. Como dice Sabina en cierta canción: jugar por jugar. Para un procrastinador experto como quien esto escribe, este cuento es maravilloso. Si usted, lector, también gusta de perder el tiempo, este cuento seguro le agradará. Es absurdamente encantador.

Un fragmento del cuento, pa que se animen:

"Para luchar contra el pragmatismo y la horrible tendencia a la consecución de fines útiles, mi primo el mayor propugna el procedimiento de sacarse un buen pelo de la cabeza, hacerle un nudo en el medio y dejarlo caer suavemente por el agujero del lavabo. Si este pelo se engancha en la rejilla que suele cundir en dichos agujeros, bastará abrir un poco la canilla para que se pierda de vista.

Sin malgastar un instante, hay que iniciar la tarea de recuperación del pelo. La primera operación se reduce a desmontar el sifón del lavabo para ver si el pelo se ha enganchado en alguna de las rugosidades del caño. Si no se lo encuentra, hay que poner en descubierto el tramo de caño que va del sifón a la cañería de desagüe principal. Es seguro que en esta parte aparecerán muchos pelos, y habrá que contar con la ayuda del resto de la familia para examinarlos uno a uno en busca del nudo. Si no aparece, se planteará el interesante problema de romper la cañería hasta la planta baja, pero esto significa un esfuerzo mayor, pues durante ocho o diez años habrá que trabajar en algún ministerio o casa de comercio para reunir el dinero que permita comprar los cuatro departamentos situados debajo del de mi primo el mayor, todo ello con la desventaja extraordinaria de que mientras se trabaja durante esos ocho o diez años no se podrá evitar la penosa sensación de que el pelo ya no está en la cañería y que sólo por una remota casualidad permanece enganchado en alguna saliente herrumbrada del caño. [...]"

Aquí les dejo el link al cuento completo, contenido en el famoso libro Historias de Cronopios y de Famas. Es corto, no lo dejen para después.

http://www4.loscuentos.net/cuentos/other/1/3/19/

Ojalá les guste y no olviden darle like a la entrada y compartirla. Saludos a todos.

De qué va la película/XVI: X-men: Días del Futuro Pasado

Si algo ha caracterizado a la saga de X-men es la cantidad de imprecisiones temporales, lagunas narrativas y huecos argumentales que en prácticamente todas y cada una de las películas ha tenido. Eso sin mencionar la calidad de los filmes, que tiene variaciones impresionantes de entrega en entrega (sobre todo en algunos episodios que se saltan la barda). Esto ha provocado que esta saga de super héroes sea una de las más accidentadas en cuanto a coherencia unitaria se refiere.

Sin embargo, luego de la espléndida X-men: Primera Generación (2011), la fe en los personajes volvió. Ahora llega a cines la secuela de ambas líneas temporales (la original y la de Primera Generación) para tratar de corregir algunos errores, y al mismo tiempo ser una especie de nuevo inicio y cierre; así, X- men: Días del Futuro Pasado, con esas pretensiones tan ambiciosas, se vuelve una de las mejores películas de héroes (para quien esto escribe) y, en definitiva, la mejor de toda la saga mutante. Una película sencillamente brillante.

La película está basada en el comic homónimo publicado por Marvel en 1981. Para la adaptación cinematográfica, la historia sufrió importantes modificaciones en pro de una mejor narrativa visual y de unir ambas temporalidades fílmicas.

En un futuro distópico donde los mutantes han sido exterminados y casi llevados a la extinción por los Centinelas, robots creados específicamente para cazarlos, la única salida para evitar este apocalipsis es viajar al pasado para alterarlo y evitar el oscuro presente. Será trabajo de Wolverine volver al año de 1973 para tratar de convencer a sus similares de aquella época del futuro que les espera…

Con esta trama de por si interesante, el director Bryan Singer, quien abandonó la franquicia luego de X2 para dirigir Superman Regresa, rescata lo mejor de ambos mundos para ofrecernos un deleite visual que fusiona una trama inteligente con personajes complejos e increíbles secuencias de acción; todo lo que cualquier buen filme, veraniego o no, debe tener.

Antes que nada debe decirse que el elenco, ya de por si impresionante, otorga interpretaciones que aseguran su confianza en el papel; todos y cada uno entienden a su personaje, dotándolos de fuertes características que marcan las diferencias con todos los demás; Ian McEllen y Michael Fassbender son Magneto, abordaron su papel de la mejor forma posible; lo vuelven aún más poderoso y con matices increíbles de villano/héroe: de joven, aprovecha la menor oportunidad para actuar como cree que debe hacerlo, tomando decisiones radicales; de viejo, defiende la puerta donde Kitty Pride está enviando a Wolverine al pasado. Actos en polos prácticamente opuestos que vuelven todo más urgente, más consciente.

Por su parte, James McAvoy y Patrick Stewart, interpretan cada quien a un Charles Xavier que en el pasado ha sacrificado sus poderes para caminar y ha perdido la fe en sus causas, mientras que en el futuro mantiene unidos a los pocos mutantes que quedan y dirige la operación que habrá de cambiarles el rumbo a sus destinos. Un mismo personaje, dos personalidades distintas. Ambos pares de actores logran actuaciones totalmente increíbles, sin mencionar claro, que el material origen de donde parten está muy bien construido: Las motivaciones que cada uno tiene para actuar como actúa y tomar las decisiones que toma son totalmente claras, coherentes y verosímiles, al mismo tiempo que vuelven a los personajes más cercanos y logramos entender los porqués de su decadencia. Del resto del elenco se obtienen también muy buenas actuaciones, sobre todo de Jennifer Lawrence como Mystique, Peter Dinklage como Bolivar Trask y Nicolas Hoult como Bestia. La pléyade de actores no da nada menos que lo que se esperaba. (Mención honorífica para Jackman, quien se afianza al personaje de Wolverine para demostrarnos, una vez más, que solo él y nadie más, puede hacer ese papel. Nació para ser Logan).

Imitando un poco lo hecho en Primera Generación, X-men: Días del Futuro Pasado mezcla la trama con algunos eventos políticos reales, tales como el asesinato de John F. Kennedy, achacado en la película a Magneto, y  La Guerra de Vietnam, donde según lo que se nos cuenta cayeron varios mutantes al ser reclutados en las filas del ejército. Asimismo, hace aparición el ex presidente Richard Nixon, aquí implicado en la aprobación del programa Centinela, detonante de todo lo que vemos. Estos hechos y referencias políticas integrándose a la trama del cambio del destino mutante, dimensionan la anécdota de manera que todo se vuelve más realista e itneresante, sin mencionar que siempre es divertido ver a gente con poderes golpeando al presidente de los Estados Unidos.

A pesar de que toda la acción sucede en el pasado, lo que acontece en el futuro nos presenta toda la urgencia necesaria: los Centinelas son amenazas imparables, sus escenas impresionan por la brutalidad con la que asesinan; todo está en contra de los mutantes, que actúan a contratiempo y siempre expectantes de la inevitable amenaza que eventualmente los encuentra. La emotividad e importancia del pasado, vista desde el futuro, nos prepara para un clímax determinante que desemboca en un final con repercusiones importantísimas para los personajes, para la saga, y que abre un mundo de posibilidad infinitas para fortuna de los hijos del átomo y deleite nuestro.

En conclusión, Días del Futuro Pasado es una película brillante, con un guión inteligente, interesante, personajes bien construidos y que finaliza con un futuro prometedor. Es cierto que no arregla los errores de continuidad de la saga como se nos hizo pensar en un principio, pero, vista como una unidad, funciona perfectamente. Solo queda esperar por la siguiente aventura con el mutante Apocalipsis, que promete ser espectacular. El futuro de los mutantes luce interesante. Muy interesante.

Título: X-men: Days of Future Past

Director: Bryan Singer

País: Estados Unidos

Año: 2014

Actúan: Hugh Jackman, Jennifer Lawrence, James McAvoy, Michael Fassbender, Ian McEllen, Patrick Stewart, Peter Dinklage

Ni largos ni medios: Cortos/IV: Ataque de pánico

Siguiendo en la tradición de las historias cortas de fantasía y terror, hoy les traigo un cortometraje de ciencia ficción que es quizás ya un clásico de internet, pero que aún asi merece mención; se llama Ataque de pánico, y es dirigido por el uruguayo Fede Álvarez.

El cortometraje fue lanzado en 2009 y tuvo miles de visitas en youtube, volviéndose muy famoso desde entonces. Tanto fue el éxito, que el director recibió una oferta de Hollywood para ir a trabajar con ellos, ofreciéndosele más tarde el remake de la película Posesión infernal (Evil dead, 2013) originalmente dirigida por el cineasta Sam Raimi (trilogía Spider man) en sus tiempos de director de cine serie- B.

El cortometraje, a pesar de ser de muy bajo presupuesto, cuenta con efectos especiales muy buenos y una puesta en escena ágil y creativa para sus recursos. Tambien me parece importante resaltar que es una propuesta novedosa y poco usual por el lugar de donde proviene, ya que en general en latinoamérica no se hace mucho cine de Ciencia Ficción o el que se hace está en pequeños circuitos y tiene cabida solo en festivales especializados. Sumarse con un producto tan bueno merece todos los elogios. 

Narra en clave de suspenso una súbita y angustiante invasión de robots gigantes a la ciudad de Montevideo, que terminará en algo tan trágico como impresionante…

Sin más, el corto aquí abajo. Disfruten la invasión:

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